Call me by your name

Io Sono il amore la segunda película de Luca Guadagnino y que le dio el reconocimiento del público. Comienza con una gran nevada una casa en Milán donde vive una familia de la alta burguesía que en poco tiempo va experimentar su declive.  Cegados por el sol ambientada en un pueblo italiano la sexualidad y el ambiente liberal presagian la bomba que estaba a punto de estallar.

Su última película Call me by your name va sobre el amor, pero no el amor en general sino esa amor capaz de matar y hacerte sufrir.

Un doctorando  Oliver en su mejor momento es invitado a casa de una familia de la alta intelectualidad, donde francés italiano e inglés se intercalan sin problema, Su estancia es de seis semanas como ayudante. Una casa en medio del campo, un bosque un lago y un pequeño pueblo.

La Italia de los ochenta que tanto la música, la ropa como las conversaciones sobre la política nos la recuerdan continuamente.

En la casa vive Elio un joven de 17 años, inteligente con unas capacidades musicales mamadas en ese ambiente intelectualoide.

Será Elio con  sus escasos 17 años quien nos guiará por sus impulsos y por esa pasión.  Es él quien rechaza el primer flirteo. Pero desde un principio no tienen escapatoria, dos habitaciones separadas por un baño.

El erotismo es latente, la camiseta con esos botones de Oliver que deja a descubierto un pecho velludo masculino, el calor, la ropa ligera y el zumo de albaricoque para saciar la sed.

Un ambiente que tomando unas ligeras licencias nos traslada a la Belleza Robada de Bertolucci.

Son bicicletas, baños para refrescarse del calor, y empieza la primera caricia el primer beso robado. Y la primera confesión en mitad de una plaza con un lenguaje secreto que esconde la pasión.

Todos son señales hasta que el acto se consume, pero ellos son conscientes del tiempo que han perdido. Cuando la vorágine de la pasión les atrapa. Antes Oliver flirtea con femias y Elio tiene su primera experiencia disfrazando el sexo de su conquista. En su mente sólo está Oliver.

Los matices, los juegos, esa forma de no tocarse, aunque su familia sabe lo que ocurre y los alienta a que vivan ese amor con toda la naturalidad posible,  se plasma en una de las imágenes más difundidas. Las disculpas en la orilla del mar donde no hay un abrazo sólo un apretón de manos de Elio a la mano escultural que Oliver sujeta.

Una pasión que a Oliver le da miedo, miedo a que lo utilice en su contra.

Al film se le puede acusar de preciosista pero al final resulta necesario. Sin ese exceso sensorial, música , bailes , luces, una verbena divertimento de los intelectuales en la época estival, no llegaría a impactar tanto. Pueblo como refugio de lo urbano y como testigo de lo más natural de la pasión.

Es una película ambientada en una época en la que no existía miedo a la plaga que vendría después , el único miedo era morir de pasión.

Es curioso que el guión esté firmado por Jame Evoly, que en un principio la iba a dirigir pero debido a su avanzada edad se hizo sólo cargo del texto,  Evoly es responsable de una de las primeras historias de amor homosexual más importante de los ochenta Maurice. Y como Maurice  estaba basada en la obra de E. M. Foster Call me by your name se basa en el libro homónimo de Andre Acimen

Nota: 8

Tangerine (Sean Baker)

El videoclip no nació con la MTV, sólo ayudo a popularizarlos y llevarlos a la gran masa. Si nos atreviésemos a decir algo sobre su concepción podíamos llegar a la conclusión que fue Disney el gran percusor.

Son largos los ejemplos de realizadores que han venido del mundo videoclip y que esa estética la han logrado plasmar en sus filmes, nadie entendería el mundo de David Fincher si no ha visto Express yourself de Madonna o Michael Gondry sin algún video de Bjork.

Aunque Sean Baker no haya flirteado con el videoclip, si que en su película Tangerine se nota la influencia del género.

Tangerine podía ser una mezcla entre Slacker de Richard Linklater y Spring Breaker de Harmoni Korine, el primero por el mundo que retrata y el segundo por la velocidad con la que está rodada. Las primera imágenes de Spring Breaker eran una gran orgía de color y sexo en Tangerine se nos muestra el caos que durante toda la película vamos a presenciar.

El film narra la historia de unos transexuales el día de nochebuena, la infidelidad del amor de su vida hace a Sin-Dee, una de la protagonista, se ponga a buscar como una posesa a un tal Charlie, que por un momento parece el Godot de Beckett al que nunca conoceremos.

La película está rodada integramente en la caótica ciudad Los Ángeles donde muchos van a cumplir sus sueños, aunque tengan que pagar por llevarlos acabo, Alexandra alquila el local para cantar y no es el dueño que la contrata para amenizar la velada, uno de los momentos más emotivos. Como dice una de las protagonistas Los Ángeles es la ciudad de la fantasía que disfraza toda la mierda y así muchas películas la han retratado desde Mulholand Drive hasta algo tan popular con Pretty Woman.

Aunque por momentos parezca una Vidas Cruzadas del mundo Trash; Tangerine es un gran traveling donde la historia del armenio taxista la prostituta amante son algunos de los muchos personajes secundarios. El director se pudo ahorrar todo el drama familiar y la película hubiese sido redonda, no hacía falta más muestras de la falsa apariencia.

El film no frivoliza sobre el mundo transexual, no hay un momento cómico, es todo tan crudo y real, que navega en una pequeña melancolía de sueños rotos.

Toda la película es una gran farsa, pero en sentido positivo, grabada en tonos amarillos para resaltar ese contraste entre la navidad que les han vendido y la navidad o vida que les ha tocado interpretar.

Y todo esto transcurre en un día, donde al amanece la protagonista que recibe el nombre de Sin-Dee , diminutivo de Cindirella, se nos muestra como la protagonista del cuento, pero cuando termina la noche es toda decrepitud. Un cuento al revés no es el príncipe quien busca a Cenicienta, es la plebeya quién busca al ansiado heredero.

Una pequeña película de la que se hablará mucho en el futuro.

Nota: 8

Hijo de Saul (Lászlo Nemes)

La muy manida historia del Holocausto cuenta con un nuevo film. Cuando hemos visto todo tipo de descripción: películas en blanco y negro, comedias, documentales de larga duración (El último de los injustos) y películas de distintas nacionalidad, resulta difícil ser original y no caer en los clichés de siempre.

En El Hijo de Saul los campos de concentración son presentados como verdaderas fábricas de matar, donde los Sonderkommando son la mano de obra esclava que ayudan a liquidar a los no deseados. Limpian y esparcen las cenizas en un verdadero trabajo en cadena. Saben ellos que serán los siguientes en morir y de ahí que la rebelión cada vez está más cerca. Entre todas las víctimas aparece el misterioso hijo de Saul, protagonista del film, que se convierte en el personaje trasversal que construye la historia, y donde la frase: “quién salva a un hombre salva a toda la humanidad” toma todo su significado, pero también el hecho de traicionar a los vivos, para salvar a un muerto, se plantea.  

László Nemes, discípulo de Bela Tarr, va más allá y decide plasmar la barbarie nazi desde un punto de vista tan subjetivo  como agobiante. La cámara deja de ser un simple medio para reproducir la matanza y se convierte en la sombra del protagonista. Nunca dejará al protagonista solo. Muchas veces la realidad se intuye más que se ve, es borrosa y silenciosa. Grandes planos secuencias que se rompen cuando el ambiente es claustrofobico. No hay música que dramatice la historia ni en los momentos álgidos que suavice tal dolor, sólo el ruido de puertas de falsas duchas que se cierran y el decrepitar de la cremación. La cámara se esconde con el protagonista cuando acecha   de terror, ello no relaja para nada el momento, al contrario  produce tal desazón que es imposible no emocionarse. La historia trascurre en dos días dentro de la “fábrica” y fuera en un bosque que tapa el horror.
Muchos critican la cara de apatía que Saul  presenta ante tal atrocidades, pero como dice él  “ya estamos muertos” y en consecuencia no hay nada que perder.
No es otra historia del Holocausto, es una obra maestra sin contemplaciones.


Nota 10

Love (Gaspar Noe)

 

Hay directores que su  nombre es sinónimo de escándalo, sobre todo para las mentes cerradas.
Gaspar Noe realizador de origen argentino debutó hace unos años en el festiva de Cannes con la muy notable e interesante Irreversible, una película para muchos caótica con un gran flasback y alguna escena imposible de borrar, la escena de violación de Monicca Belucci; tres largos minutos en un solo plano hizo correr ríos de tinta y fueron numerosos espectadores que decidieron salir de la proyección.
Su anterior trabajo Carne ya había mostrado ese mundo violento y de personajes desestructurados.
Sin tener una larga filmografía y después de probar el mundo del corto y la extravajancia de Into the void, el director ha querido volver a la palestra con un nuevo film, Love.
Una película vendida como una historia de amor y sexo en 3D, nada mejor para llamar la atención.
La historia es archiconocida chico conoce a chica se enamoran, juegan, intentan poner en funcionamiento sus fantasías y un día la mala suerte hace caer ese “amor”
En la película el director pretende dar una lección del amor sentimental y aquello que llamamos pasión, para ello y sin ningún rubor se permite plasma de forma explícita todo encuentro carnal y ya al inicio del film lo primero que se nos muestra es la pareja en plena caricias genitales. Para dotarlo de cierto snobismo vuelve Gaspar Noe a utilizar la estructura de Irreversible c pero esta vez con alguna  concesión que le permite regresar a la escena que desata la tragedia. Son rojos intensos y verdes los que impregnan  todo la película, los primeros las escenas más trágicas, los segundo la falsa felicidad, y el color "real" lo deja para los momentos cotidianos.  El soliloquio domina gran parte del metraje y las conversaciones entre los personajes son un cúmulo de frases grandilocuentes. El personaje susurra, es un jadeo silencioso, de esos que se intentan acallar para que nadie se enteré.
Las escenas de sexo explícito se concatenan y llegan a ser por momentos tediosas. Lo más interesante es adivinar lo que pretendía Gaspar Noe con este film, si su objetivo era hablarnos del amor sentimental, el deseo ciego y aquello que denominamos celos pues podemos salvar algo, si por el contrario su idea era romper los esquemas con un sexo en 3d, se ha quedado en la mera anécdota porque ya han sido varios los directores que han roto el límite de lo erótico y lo pornográfico, y salvo La vida de Adelen, Intimidad o Ninphomanic el resto ha sido unos auténticos actos onanísticos; o si no que se lo digan a Michael Winterboton y su seudoporno intelectual de 9 song, donde lo único que se salvaban era las  9 actuaciones de aquellos grupos.
Otro ejemplo de un falso escándalo, en un mundo en que a golpes de una tecla te encuentras todas la fantasías que se te ocurran eso si sin la posibilidad de verla en 3d ni mancharte. 



Nota: 4

Steven Jobs (2015)

La tercera acepción de la RAE a la palabra mito es ¨persona o cosa rodeada de extraordinaria admiración y estima¨, partiendo de esa premisa podemos afirmar sin ruborizarnos que Steven Jobs es un mito, para bien o para mal.

Llevar a la gran pantalla la historia de un mito siempre es difícil sobre todo cuando su admiración ha cambiado la vida de millones de personas.  A la hora de hacerlo el director tiene dos opciones o vilimpendiarlo o encumbrarlo más a los altares de la eternidad. Boyle ha optado por un camino intermedio para descifrar la personalidad de Steven Jobs.

Más que la vida de Steven Jobs sería mejor decir que el film narra la historia de una compañía creada por la insistencia y la manipulación de un ser tan antipático en su vida privada como era Mr Jobs.

Son largas las batallas de ego y los conflictos entre las empresas que uno se pierde por momentos y sólo recuerda los tres apuntes que millones de veces hemos leído en la prensa. Intenta Boyle y su guionista con este enfoque darle a la película un tono académico pero se pierde por momentos en la pedantería de lo intelectualmente correcto lleno de cifras, frases hechas y intrigas palaciegas aderezado por un melodrama familiar;  al final es en lo que se puede resumir el film. Si David Fincher en la ¨Red Social¨ le daba un toque innovador y maduro a la historia del creador de facebook, Boyle se queda en lo ya visto en cientos de filmes  y ese thriller que pretende hacer por momentos pierde el ritmo, aunque las dos películas tienen el mismo guionista Aaron Sorkin la suerte ha sido distinta por mucho premio que reciba.  

No es una mala película pero tampoco una obra maestra es algo como sabe hacer Boyle correcto y para triunfar.

Fassbender como siempre está grande, lo clava por momentos le aporta intensidad pero a veces se pasa de frenada, Kate Wislet está comedida y saca lo mejor de la película, logra humanizar la figura de ese tirano. Si hay un momento álgido en la película pero no por ello espectacular es la conversación de Jobs con su hija en la azotea del teatro, la actriz Perla Haney-Jardine  se come por momentos a Fassbender, aunque sería bastante pretencioso decir eso, nos quedaremos en que se iguala y que la actuación queda en lucha de titanes. También son de destacar las actuaciones de Seth Rogen gran autor aunque a algunos le moleste esto y el "polite" Jeff Daniels. 

Pero lo que nos interesa; ¿cómo queda la figura de Jobs y Apple en esta película? pues tocada, el personaje que presenta es intransigente, egoísta y por momento de una frialdad casi psicópata, los intentos de humanizarlo solo logran sacar lo peor de él. Y la marca Apple como un gran timo que nos vende más diseño que tecnología aunque esto no sea de todo cierto. Es Apple el ejemplo de gran empresa que crea una necesidad pero también que esas necesidades han satisfecho y facilitado la vida a la gente y su impronta ha sido copiado por sus competidores.

Hay una cosa que si honra este film, sería muy fácil y previsible que Boyle terminara con un vencido Jobs por la enfermedad y la rabia de que esa batalla la había perdido, por el contrario nos muestra el inicio del triunfo, pues la otra historia es fácil imaginarla. 

Puntuación 6

STAR TREK

A algunos la serie Star Trek nos queda muy lejos, somos más de V que de las aventuras de Spok, pero eso no impide que nos acerquemos al cine a ver la última película del productor de la gran serie Lost, JJ Abrams, una de las mayores logros de la televisión actual.
Abrams ya había probado suerte en el cine con Misión Imposible III con un resultado más que notable, y otras pequeñas incursiones como productor “Cloverfield”.

La película podría haber sido un fiasco lleno, de diálogos esteriotipados, clichés y personajes mimitezados, pero Abrams ha dado un paso más allá y ha hecho una película que traspasa el cine palomitedo y se lanza a una nueva oleada de cineastas que han descubierto que dentro del gran cine se puede hacer productos consistentes y con un gran peso artístico, sin caer en el convencionalismo.

Parte de las virtudes de Star Trek vienen del planteamiento filosófico que nos expone, el conocimiento de un futuro y la actitud que tendremos desde el presente hasta él. ¿Qué pasaría si un día nos dice lo que llegaremos a ser dentro de unos años? Nos acomodaríamos esperándolo o intentaríamos recorrer el camino tal como está escrito en nosotros.

Como toda nueva película de esta generación de cineastas, la imagen es un factor primordial elemento que contiene y añade tensión las secuencias de la batalla los viajes espacio temporal, el sonido, percepciones eso si que sólo podrán disfrutarse en pantalla grande. Estos recursos no son meros objetos decorativos son elementos de un conglomerado de factores que hacen una película redonda.

Lo grande de esta clases de películas es las reacciones que tiene en el público, Batman Cloverfield, Maria Antonieta, escandalizan a los que todo lo intelectualizan y gusta aquellos que adaptándose a los tiempos sabe que el cine es una evolución y que todo hay que mirarlo con distintos ojos y amoldarse a las nuevas corrientes.

SLUMDOG MILLIONARIE

Algunas voces dicen que el cine está en crisis; estás hablan de la existencia de una corriente dedicada al plagio sin ningún rubor pero, esta afirmación; ¿es correcta? o responde más a una estrechez de miras? uno se inclinaría por lo último y así se entiende la fascinación por productos supuestamente novedosos pero que en realidad son propios de principiante. Danny Boyle es un director crecido en un supuesto cine indie-comercial, su mayor contribución ha sido Trainspotting y desde ahí sólo se ha dedicado a plagiar y hacer productos para el consumo populista.

Slumdog millonrie no supone ningún punto de inflexión en su creación es una continuidad de un cine pretencioso y aburrido. La película comienza con una persecución por las calles de Mombay de dos niños, la escena es acompañada con grandes artificios visuales y música estridente y cansina. Desde ese momento la película se convierte en una continua búsqueda de la complicidad con el espectador mediante situaciones facilonas en busca de la sonrisa y la lagrima del espectador; el niño que con el propósito de conseguir un autógrafo de su ídolo, se tira a una fosa llena de mierda (el protagonista de Trainspotting nadaba dentro de un váter), el explotador de niños, la historia de superación y toda una concatenación de sucesos metidos a golpe para hacer funcionar un guión del peor cine comercial. Este deseo de agradar al espectador y de la rapidez de su filmación conlleva una falta de profundidad en los personajes que se convierten en meros modelos indios sin capacidad alguna para transmitir cualquier emoción, únicamente la coreografía del final.

Pero esta forma de rodar no es nueva hace pocos años Fernando Mirello realizó una ambiciosa y fallida recreación de la vida en las favelas de Rio de Janeiro todo aderezado con una estética de videoclip y pretendida realidad, pero existe una ligera diferencia entre el producto de Mirelles y el de Boyle uno es nativo de ese lugar y el otro rueda en lugar desconocido y en una cultura totalmente desconocida, de ahí que la película se dedique a plasmar los clichés del cine de Bollywood y sólo consiga un retrato kitsch de una realidad bastante dura.

Es curioso que este producto tenga éxito y que las distribuidoras no comiencen a comercializar con películas de la meca del cine indio, material tiene suficiente pues es el país es el que mayor número de filmes produce al año, eso si la calidad es muy cuestionable.

Merece una mención especial su soundtrack de A.R. Rahman compositor de partituras bastante respetables como las que hizo para otra película "india" “Agua” otra producto fruto de la globalización.

Es sumamente preocupante que esta película este recibiendo premios por el ancho mundo y deje fuera a filmes más respetables como es el caso de Revolution Road.
Puntuación. 3

REVOLUTIONARY ROAD

Sam Mendes vuelve a los suburbios que le dio el reconocimiento mundial con la para muchos sobrevalorada American Beauty, en aquella película Mendes se cebaba con el sueño americano y la increíble mentira en la que se sustenta. Partía de un texto de uno de los mejores guionistas actuales Allan Ball. En su última película Mendes sitúa la historia en la Connectica de los años cincuenta donde empezaba a recuperarse una clase media después de las penurias de los años anteriores. 
April Wheeler (Kate Winslet) y Frank Wheeler (Leonardo DICaprio) es una joven pareja de clase media que vive en el barrio Revolutionary Road. Parece la típica pareja perfecta guapos con dos niños una gran casa, pero la insatisfacción rodea sus vidas. April es una frustrada actriz que en su intento de levantar cabeza cae como protagonista en una mala obra propia de principiantes y que representa en un instituto de mala muerte, por su parte Frank es un alineado que como oveja que sigue al rebaño es empleado de la misma empresa en la que su padre trabajó. Los dos llevan una existencia aburrida que intenta suavizarla con una gran mentira de clase acomodada. En un acto de desesperación y viendo que aquello se está muriendo, su relación comienza a tambalearse, Frank le es infiel a su pareja con una modosita y tonta secretaria, April toma la iniciativa y le ofrece una nueva oportunidad cambiar de aires irse a París, lugar qué visitó Frank tras la contienda IIGM, para rehacer su vida e intentar conocer lo que el deseaba. Es una muestra de generosidad por parte de April que ya frustrada actriz sacrifica su sueño para que su marido encuentre lo que realmente quiere ser. Todo ello forma parte del regalo de cumpleaños de Frank, increíble escena la del cumpleaños, Frank llega a casa después de haber engañado a April y se encuentra con una fiesta sorpresa de cumpleaños, doloroso e incomodo, interpreta el papel de marido feliz. 


La historia de Frank y April comienza en una fiesta en su primer contacto Frank se presenta como un aburrido estibador y la otra estudiando para alcanzar su sueño llegar a ser actriz, desde ese momento sabemos que Leo es un conformista que aún que admite que su trabajo no aporta nada; “no soy gran cosa” si le habla a April sus falsas ansias de cambio,. Todo ello mostrado a través de cuidados flashback.  
Ellos no son una pareja particular, vemos en el filme sus gustos exquisitos, sabemos que ellos fueron los que llevaron a la pareja vecina a un local de jazz. Parecen equilibrados y en esa actitud su vecina le pide que conozcan a su hijo recién salido del siquiátrico. Personaje clave de la historia pues es el único que aprecia el aburrimiento de la joven pareja. Según se da a entender John Givings (Mychael Shannon) fue un prometedor matemático, cuyas ansias de cambiar su aburrida vida por un sueño incomprendido por los demás, sobre todo por una madre posesiva, le llevó al manicomio. En el último encuentro entre la joven pareja y John saltan chispas cuando éste descubre que al fin la marcha a París no se consume. John le echa en cara sobre todo a Frank su cobardía al no afrontar ese reto de arriesgar por un posible futuro 
 Para complicar más la historia April queda embarazada por miedo a que esta nueva situación suponga un impedimento para marchar le ofrece a Frank las dos posibilidades; tenerlo o abortar. En el juego de la incertidumbre Frank no dice nada sólo utilizará esta nueva situación más adelante para cuestionar la cordura de su mujer. Otro nuevo obstáculo y otra justificación es el acceso que le proponen a Frank. La inmadurez que desprende el personaje de Frank se hace más visible con la nueva condición, él no ofrece ningún entusiasmo por el nuevo trabajo, sólo en la escena final le cuenta a April en que consiste su trabajo. Pero sin lugar a duda la gran presión ejercida por el entorno que contemplan la idea de marchar como una ridiculez e infantilismo y la poca madurez de Frank dificultan una salida a la crisis. Al espectador al acabar el filme se le plantea dos preguntas; ¿es la decisión que toma April un acto deseado o un acto de rebeldía?, ¿constituye su consecuencia una moralina?
La película esta plagada de grandes diálogos, el filme constituye un lucimiento de los actores, la ambientación recuerda a películas recientes ambientadas en esa época y que muestra que tras la expresa felicidad existía un infierno “Lejos del cielo” es un claro ejemplo. Los planos donde los personajes aparecen los grandes encuadres de April con sus elegantes vestido que la muestra abierta, alegre y fuerte. La música de Thomas Newman que acompaña todo el filme logra creer ese ambiente claustrofóbico.
Señalar la pena que esta película se haya vendido por parte de las distribuidoras como una comedia romántica. 
Puntuación. 8

EL INTERCAMBIO

Los grandes de la industria del cine, creen que son inmunes a cualquier crítica cualquier cosa que hago Oliveira o Rivette será una obra maestra. Pero nadie es perfecto y muchos de los maestros del cine son proclives a meter la pata. Clint es uno de esos monstruos que a pesar de los años sigue en pleno apogeo dos películas en un año El Intercambio y El Gran Torino, la primera de ella estrenada ya en España. El intercambio no es la película redonda de Clin no está a la altura ni de Million Dollar Baby ni de la sobrevalorada Mister River. El intercambio es un filme clásico con una cuidada puesta en escena y una historia bastante atractiva, Clin pone el acento en una época años 20, que se asocia en el cine a mafia, ley seca… aquí este desfalco se manifiesta en una corrupción policial que salpica a la policía de los ángeles. Partiendo de estos punto el film podía ser una obra maestra, pero Clint cae en los errores de un principiante Su afán de explicar el más mínimo detalle conduce al tedio del espectador no se puede perdonar a Clint alarga de manera innecesaria las escenas, dando lugar a posibilidad de varios finales, la película se podría haber terminado media hora antes, y ofreciendo al espectador la oportunidad de no suspirar de aburrimiento. Es deseo de ser tan claro conduce a pensar que estamos ante un telefilme de las tres y media.

AUSTRALIA

La filmografía de Baz Luhrman es escasa con cuarenta y seis años tiene cuatro películas en su haber, pero un gran éxito a nivel. Si algo caracteriza a Luhrman es su empeño en querer hacer cine a la vieja usanza, pero con un toque pop, quien sino se atrevería hacer un Shakespeare con los últimos hits del momento, y llevas al Mouline Rouge canciones de Police, o David Bowie. Dos trabajos que no han dejado indiferente a nadie por un lado vapuleado y por otro alabado como el resucitador de géneros que parecían muertos. A Baz Luhrman en su megalomanía no se le ha ocurrido otra cosa que crear una gran película épica. Para ello sin salirse de casa decide grabar el nacimiento de la gran Australia con actores australiano y equipo de las antípodas, eso si es querer la patria. Sitúa la acción en los inicios de la invasión japonesa del país y el conflicto con los aborígenes, un niño aborigen es el que cuenta toda la historia. El relato está muy bien construida una historia de amor entre un joven rudo y una pija aristócrata inglesa, una guerra y un conflicto racial, que más se le puede pedir. Baz sabe combinar bien los elementos y así Australia es un buen producto. Australia es grande en presupuesto y también grande en duración casi tres horas. El fin se ha sabido vender, un tráiler muy bien construido un conflicto con la fox sobre el final, que seguro veremos los finales alternativos en DVD y dos actores del starsystem. Pero Australia tiene un problema cuando uno termina de verla, se pregunta de que año es del 2008 o de la época de “Lo que el viento se llevo” pues este es el pero de Australia es una película como las de antes, Luhrman ha ido por lo seguro sin arriesgar como en sus propuestas anteriores. Se recordada Australia dentro de unos años como una película del 2008 como las de antes.

EL INCIDENTE

Desde que en 1999 M: Night Shymalan se diera a conocer al mundo entero con una película sobrenatural que reventó taquilla y reconcilió a la crítica con este género mal tratado sus películas han conquistado crítica y público. El trabajo fue el descubrimiento de un realizador inteligente y con personalidad artística propia. Sus filmes son un retrato constante de una sociedad cada vez más enferma sobre todo los tres últimos. El bosque (The Village) La joven del agua (Lady in the water) y El incidente (The happening).

El incidente profundiza más en ese miedo que nos acecha continuamente y que nuestra sociedad potencia para mantenernos en constante control. Las formas de terrorismo han cambiado las amenazas de hace unas décadas no tienen nada que ver con las que sufrimos ahora. Nuestros enemigos no son identificables en la mayoría de las veces. Para tranquilizar se les pone siglas o nombres propios pero muchas veces carecen hasta de personalidad física.

Así en El Incidente la amenaza no se ve, únicamente se siente. Un posible ataque terrorista a través de sustancia química esta provocando que la gente experimente la perdida de sensibilidad hacia la muerte y se suicide. La plaga se propaga y la solución parece no llegar. El hombre no escapa a la muerte el hombre busca esa muerte.Como en toda circunstancia de incomprensión el miedo se apiada del mundo. Todos son posibles víctimas.

Tanto en esta película como en “El bosque” Shymalan indaga sobre la vulnerabilidad del ser humano y la fuerza de una naturaleza incontrolable. El hombre no es dueño de su destino sino es esclavo de sus sentimientos y de un medio poderoso. En “El bosque” el aislamiento no es la solución a los problemas y en “El incidente” la reducción de grupos no salva del peligro. Cabe entonces decir que su cine no hay esperanza alguna. Todo ha de fluir y de eso que lastima, hiere y mata aprender.
Lo más inofensivo puede ser mortal una brisa un apacible campo un parque. Shymalan quiere inquietar al espectador desestabilizando aquello que por naturaleza el público crea que es refugio.

LA NIEBLA

Stephen King es uno de los escritores contemporáneos más llevados al cine. Las adaptaciones han dado alguna que otra obra maestra El Resplandor. Carrie,…

No hay año en que no se estrene una nueva adaptación ya sea para televisión o cine. Este año o mejor dicho el año pasado (La niebla es una producción del 2007)
En la densidad de las películas de terror “La Niebla tenía todas la papeletas para engrosar es lista de películas de terror dispuestas a convertirse en blockbuster. Pero “La Niebla” escapa de ese defecto y se coloca a la altura de los grandes clásicos de terror.

Una de las primeras imágenes del filme muestra un póster de la película de John Carpenter La Cosa. Todo un homenaje a una creíble adaptación. Una tormenta es el punto de partida del filme. Una tormenta como anticipo del horror que va a llegar después. Provoca increíbles destrozos en la casa de los protagonistas a las orillas de un gran lago. Uno de esos destrozos es el cobertizo culpa del un árbol del vecino. Vecino impertinente pero que la tremenda situación le obliga apartar las diferencias y encaminarse al centro de la historia un Supermercado. Antes de marcharse visibilizan en el horizonte del lago una extraña niebla que se acerca.
A los pocos minutos la niebla empapa todo el pueblo. Los principales protagonistas entran en el cuerpo de la catástrofe. Multitud de gente se agolpa en la tienda comprando enseres para sobrevivir a la devastación. Un hombre entra corriendo en el establecimiento. Entre palabras entrecortadas habla de algo que se llevo a su vecino. El temor se apodera de la gente. Y aquí comienza la gran virtud de este filme. Una secuencias de actitudes de los personajes empezaran a crear unas tesis sobre el comportamiento del ser humano ante el miedo. Una mujer desesperada decide ir al socorro de sus hijos de ocho y cuatro años. Nadie la acompaña el miedo los invade. La mujer con todo coraje y desesperación va al encuentro de sus hijos. Esta mujer la veremos al final del filme gratificada por su audacia.
En el almacén los hombres debaten su hombría. Una especia de pulpo acaba con la vida de uno. Una valentía sin recompensa.
Los hombres cuentan lo sucedido a unos cuantos. Unos no les cree y decide salir. Mueren atacados por un extraño ser. Nuevo fracaso.
Dentro de la tienda una fanática religiosa pregona el fin del mundo el Apocalipsis. Plagas de langostas, arañas… es su refugio para sus argumentos.
En ese pequeño escenario un Supermercado aparece un nuevo miedo y este está cerca. El fanatismo hace mella en el horror de la gente y se convierten en seguidores de la “profeta”. Un agarre de desesperación.
Un grupo incrédulos capitaneados por una profesora (la razón) un cartelista (la imaginación y el ingenuo) un niño (inocencia y el temor más limpio), un tendero (supervivencia), un viejo (la experiencia) y una bella mujer (la vida) deciden un nuevo plan para escapar del terror que habita allí dentro. La sinrazón se ha apoderado de las almas que hablan de sacrificios…
La huida deja en camino varias victimas. La ilusión de salir de la niebla se ve trucada cuando la gasolina se apaga. Peligro, miedo y desesperanza les obligan a un trágico final

El epilogo potente es de una extraordinaria belleza y cuidadosa facturación. El coche escapando de la niebla el alejamiento de la cámara como testimonio de la desesperación. Constituye una secuencia difícil de olvidad.

La Niebla tiene toques al clásico cine de serie B. Pero lo solventa con astucia y con un fuerte contenido. Lograr condensar el miedo en un escenario tan reducido es uno de los mayores logros del filme junto a la superlativa interpretación de Marcia Gay Harden.

A LOS 18 AÑOS YA ERA DEMASIADO TARDE

Recuerdo que fue un domingo. Antes de irme a dormir; encendí la tv y haciendo zapping me encontré en la pantalla con una mujer mayor surcada por miles de arrugas y de voz ronca. Era la 2 portuguesa (la antena interior me permitía ver cadenas lusas) la entrevista era hecha para la France 2. En ese momento pusieron un rotulo donde aparecía el nombre; Marguerita Duras écrivain. Me fascinó me quede mirándola largo rato exhorto ante su potencial. Hablaba del alcohol su mayor enemigo su encuentros con Sartre, su inquieta vida política su compromiso con el PCF y su desazón con la vida. A la mañana siguiente me encaminé a la enciclopedia y busque: Duras Marguerite. Saigón 4 de abril de 1914-. Pude saber que había tenido un hijo además de ser escritora fue directora de cine, dramaturgo… Dentro de su obra uno de los libros que más éxito había tenido fue “EL amante” Como un poseso fui a comprarlo. Tal como me esperaba el impacto que me produjo fue brutal. Había descubierto una “maldita”. 

Ahora unos años más tarde vuelvo a leer su obra y me encuentro con una dichosa amargura. Entiendo que siempre dijera que escribir la mataba poco a poco.

Para Mademoiselle Duras descubrir el deseo con tan solo 15 años fue la muerte temprana. Era ella aquella niña que se escondía en una habitación de Chalson que en medio de los gritos de la calle; gemía bajo el deseo de él.

Descubrir un placer en manos de un adulto de forma tan prematura fue todo un acontecimiento. Su existencia que aquellos años se encontraba bajo la presión de un ambiente hostil una madre para la cual su hija no existía y dos hermanos. El placer supuso la evasión de ese infierno. Pero una condena también cuando aquello que amas quema. Fue muy pronto cuando conoció ese dolor y la muerte. Muerte de un hermano menor al que se acercó a él tras su fallecimiento, pero también muerte en vida de un hermano mayor victima de una admiración materna enfermiza. Sus recuerdos son de esa habitación en penumbra, la limusina y el sombrero de hombre y tal vez aquel transbordador que la convirtió en victima.

El amante era de cuerpo frágil y sentimientos intensos. Tal vez el ser el participe del despertar de la niña le aportó la fuerza de una madurez que no llegaba. Véase el fracaso en su intento de una educación occidental en París. Donde se dejo seducir por una vida bohemia y hedonista.

La historia es también el reflejo de una decadencia colonial. Una familia que ya no es rica, pero a los que los indígenas o mestizos tratan con un respecto inherente. Donde un chino rico profana la belleza de una niña occidental .

El libro está narrado en primera persona, pero son aquellos momentos intensos donde la escritora se manifiesta indirectamente hablando de aquella niña. Parece querer alejarse de ese dolor que tanto la hirió, y regañarse.

Su novela fue llevada al cine en 1990 por Jean-Jacques Annaud. La adaptación en un primer momento iba a contar con la colaboración de la escritora pero debido a las discrepancias rompió la relación con el realizador. Como venganza ella publicó el libro “El amante de la China del norte” que alcanzó un notable éxito.

Ella quería duchas donde el agua cabalga por la espalda de un amante. Hiroshima mon amour.

“Muy pronto en mi vida fue demasiado tarde. A los dieciocho años ya era demasiado tarde. Entre los dieciocho y los veinticinco años mi rostro emprendió un camino imprevisto. A los dieciocho años envejecí. No sé si a todo el mundo le ocurre lo mismo, nunca lo he preguntado. Creo que me han hablado de ese empujón del tiempo que a veces nos alcanza al transponer los años más jóvenes, más gloriosos de la vida.”

CHAPTER 27

Si alguna encuesta recogiera las opiniones de los ciudadanos sobre los hechos más relevantes en la década de los ochentas entre ellos estaría el asesinato de John Lennon. Hecho infortunioso que lo convirtió en un mito.

En todo acontecimiento inesperado un mar de conspiraciones creció alrededor. Si un asesinato en nombre de la C.I.A…

Libros y cine se frotaron las manos ante tal inmensidad de materia que podían sacar de ahí. Y así nacieron muchas fracasadas obras. Entre estas esta Chapter 27.

Chapter 27 se centra en el asesino Mark David Chapman y sitúa la historia en los días previos al parricidio. La narración se sitúa en la mente del criminal bajo cuyo ángulo pretende pintar la historia. Esta decisión conlleva un riesgo que casi siempre cae por el lado menos deseado. Meterse en la mente de un asesino es complicado sobre todo cuando como en este caso se pretende realizar un examen exhaustivo de una realidad real y de una realidad creada. Si es cierto que una mente perturbada carece de una visión acertada de esa realidad. Ello justifica a muchos directores hacer verdaderos disparates incurriendo casi siempre un una marabunta de despropósitos Así vemos un personaje obsesionado con el Holden Caulfield protagonista de una de las obras cumbre de la literatura americana “El guardián entre el centeno” al que pretende emular, integrado y evadido de una realidad que deambula sobre su creación.

A la desesperada de intentar sostener la historia el director introduce personajes en el deambular del Chapman. Una joven con la que establece una ligera cercanía a través de su admiración por Lennon.

El error del realizador y guionista reside en no haber subsanado las respuestas que en el transcurso de la película un espectador normal que no conozca mucho el tema se pueda plantear. ¿De donde venía? ¿Quién es esa mujer con la que habla por teléfono? ¿Por qué todo el mundo que custodia el edificio Dakota lo llaman por su nombre de pila?... Y un sinfín de preguntas.

Si es posible decir ciertas verdades. La película fue y es un claro lucimiento de su protagonista Jared Leto que soñó con una nominación al Oscar. Pero sin lugar a dudas la publicidad gratuita de la cuestionable Yoko Ono al descalificar tal trabajo ha ayudado a que muchos se acerquen a verla.

La única virtud del filme es su cuidada y acertada ambientación. (Algo hay que salvar)

La cinta es una de las tantas seudo-cine intelectual que se presentó en ese festival independiente llamado Sundance. Que desde hace un par de años ha dado unos muy mediocres filmes “Quinceañera” quedando lejos aquellos años de “Sexo mentiras y cintas de video”

COMETAS EN EL CIELO

Es Marc Foster un director de cine de autor o un aprendiz mimado por la meca del cine. Si repasamos su carrera nos encontramos ante pequeñas joyas véase Monster`s ball y Finding Neverland y otras bastantes discutibles como Stay o esta última. Monster`s ball fue la carta de presentación de Foster a nivel mundial gracias sobre todo al oscar que Halle Berry consiguió por el papel en esta película.

Muchos creyeron que se iba a volver un director rebelde fuera de los parámetros de la industria. Pero l a siguiente película ya descifró cual era el camino elegido. Un director rebelde y con personalidad propia bajo la protección de una industria. Finding Neverland una película muy british al gusto de la industria eso sin menospreciar su calidad. Resultó se acta para todo el público. Cosecho premios y nominaciones por doquier. Sus siguientes películas Stay un intento por emular un cine misterioso. Más extraño que la ficción y Cometas en el cielo. Un claro ejemplo de este asentamiento del director alemán.

Cometas en el cielo es un filme bonito sin más; que a más de uno le hará soltar una lagrimita. Su aportación no va más allá de ser otro intento fallido de llevar al cine exitosas novelas y construir pretenciosa película.

La película cuenta los avatares de unos afganos en la Afganista antes de la invasión rusa y la posterior dictadura taliban. Un niño que traiciona a su mejor amigo para liberarse del estigma de gallina. Un padre que intenta ser ejemplo a seguir y un país en la ruina moral. El sentimiento de culpa y desgarro emocional que expuso en Monster`s ball da paso aun edulcorado Cometas en el cielo. Forters no ahonda en la culpa que al propio protagonista por tan vil traición sino se dedica a escupir simple reacciones y emociones que cualquier inexperto director pudiera hacer. La culpa y el sentimiento de incomunicación en el mundo oriental y el occidental son meros pasajes. Para el director es más importante lo que rodea la historia que el propio personaje. Un personaje principal poco creíble que no madura con el paso de los años más bien se queda en un infantilismo gracioso y compresivo para el público. En Monster`s ball el personaje encarnado por Halle Berry protagonizaba un cambio que se materializa al final del filme donde se le presentan las dos opciones entre seguir o regresar al camino del dolor. Aquí el personaje sólo se plantea la única y previsible elección. Únicamente justificado por el pecado cometido. Y con un final medio bucólico medio cursi con frase de anuncio de televisión.

Cometas en el cielo representan se unen a toda una sería de películas que intentan mostrarnos un falso mundo cruel. Menos bonito y más duro que lo reflejado.

Dentro de unos meses Forster estrenará la nueva película de James Bond. Esperaremos a ver si acierta aportando algo personal o se pliega antes el padre protector.

AL OTRO LADO

El contraste que hay entre culturas se manifiesta continuamente en conflictos políticos, morales o económicos. Pero este distanciamiento es real o es fruto de una visión sesgada de una realidad. No cabe duda que la globalización ha potenciado nuestras diferencias que nos debían de enriquecer en lugar de dividir.

Al otro lado es fiel reflejo de este distanciamiento y de la incapacidad de salir de su propia cultura. En Contra la Pared ya Faith Akin enfrento la integración de una realidad turca integrada en Alemania y su incapacidad de escapar de estrictos valores.

Al otro lado ahonda más en estas diferencias y en conflicto no resuelto.

La película es un compendio entre Crash Vidas Cruzadas…Tres historia paralelas que en un momento de la película se entrecruzan. Con yuxtaposición del tiempo narrativo en los primeros minutos… La historia de un amor imposible entre una chica kurda repudiada por su país y una alemana asentada.

Un joven profesor de universidad decide escapar de su Alemania cuando su padre comete un acto criminal.

Como en todo este tipo de estructuras; cuenta con un hecho generador de toda la historia y un objeto de unión que si en Crash era el coche en aquí es una pistola que recorrerá toda la película no siempre presente. Pistola que obliga escapar y pistola que obliga a regresar, pistola que mata y pistola que intenta liberar.

Al otro lado no está a la altura de Contra la pared. Pretende ser agradable al público, que cualquiera pueda digerirla pensando que ha ido a ver buen cine de autor.

CUATRO MESES TRES SEMANAS Y DOS DÍAS

En plena polémica nacional por el derecho al aborto. Se estrena 4 meses 6 semanas y dos días.

A finales de la década de los ochenta muchas mujeres rumanas con embarazos no deseados decidieron abortar en la clandestinidad. Como en otros países incluyendo el nuestro hace treinta años, estás mujeres asumían un riesgo tanto físico como social. La posibilidad de ir a la cárcel por este hecho delictivo las amenazaba.

Como en toda prohibición el pueblo creó para burlar tal veda. Y así los salvadores de estas pequeñas tragedias hacían lucrativos negocios, aprovechándose de la desesperación de la víctima.

La película está contada con una suave crueldad. Son los personajes los que guían la cámara, convirtiéndose en su testimonio.

En el transcurso de la primera media hora, se nos presenta el ambiente donde viven las protagonistas. Una escuela mayor donde el cutrerío es palpable; camas metálicas, paredes pintaras a la cal y pequeños ornamentos. En este mismo entorno, cerrado el comercio de bienes prohibidos era una práctica diaria donde se trapichea con cigarrillos, maquillajes incluso la píldora.

Las protagonistas a pesar de vivir en un régimen asfixiante son conscientes de la existencia de otra realidad.

Como en todo régimen existen los privilegiados que se burlan de los verdaderos héroes de la patria. La escena de la cena donde una de la protagonista celebra el cumpleaños de de la madre del novio es muy descriptiva. La burla de su origen la amonestación por fumar delante de sus futuros suegros.

La película se resuelve de forma muy digna, sin caer en los tópicos. Son las dos protagonistas las que pierden la inocencia, una con un aborto otra con una violación. Precio que ha de pagar para que la otra disfrute de su liberación.

Cuatro meses, tres semannas y dos días, pasará a la historia del cine por dos razones; una por representar un hito en la filmografía, y segunda por ser una obra maestra.

EXPIACIÓN

¿Qué tienen en común Doctor Zibago, Lo que el viento se llevo, El Paciente inglés y Expiación? Las cuatro parte de grandes novelas, son grandes producciones cada uno en su época y melodramas con las características del género; amores imposibles en la adversidad, guerra…

Expiación reúne todas estas características pero con la madurez a la hora de enfrentarse aun espectador más experimentado.

La historia es archiconocida; chica de alta alcurnia se enamora de su atractivo jardinero. Jardinero es acusado de violar a una niña: Hermana celosa es la mentirosa acusadora de este delito. La II GM empieza y el presunto violador acepta ir de soldado raso a combatir al ejército alemán en suelo francés.

El filme comienza a una increíble velocidad, al compás de una máquina de escribir donde la niña de amplia imaginación plasma su relato. La escena se acompaña de una nerviosa melodía.

La niña elemento clave es la primera en participar en el juego, (del ver lo que quiere ver) La escena de la fuente es ya un signo de su posicionamiento. Pues varios minutos más tarde aquello que ella creía ver era mucho más casto de lo que su mente calenturienta pensaba.

La película se disuelve en dos canales la historia cierta y la historia creada. Una historia creada como la novela escrita, y es que al final toda impresión será puesta en evidencia.

El filme se mueve entre una fotografía fina que recoge los momentos bucólicos y palaciegos a aquellas gris oscuras que dominan el desastre de la guerra.

El director no escatima sin el beneplácito del autor del libro de la sutiliza en la narración de momentos de gran y contenida emoción; la playa donde yacen los soldados moribundos, las clínicas de lisiados o el esclarecedor e impactante final con una imponente Vanessa Redgrave.

El filme representa todo un acierto y un ejemplo de película efectiva tanto para la crítica como para el público.

DESEO Y PELIGRO

Ang Lee es uno de los directores de cine más importantes de la actualidad. Su filmografía es un compendio de pequeñas joyas; El Banquete de boda La tormenta de hielo o Brokeback Mountain Sentido y sensibilidad, Tigre y dragón.

Un cineasta que ha sabido ejercer de artesano de cine dentro de la protección de Hollywood, sin dejar de gustar al público.

Pero sin lugar a duda uno de sus logros ha sido plasmar con fidelidad retratos de un mundo occidental donde él no proviene; (Tawanes de nacimiento) sin caer en la torpeza ni en los sobrecargados tópicos.

Con Deseo y Peligro Ang Lee vuelve a sus orígenes grabando en el idioma de su niñez. La historia se sitúa en plana IIGM, en la China más accidentalizada. En plena tensión chovinista un grupo de jóvenes y reivindicativos estudiantes deciden cargarse a un chino traidor topo de los invasores japoneses. Para tal menester echan mano de una apetecible matahari que entrará en el círculo de la victima.

El filme rodado íntegramente en localizaciones naturales es un ejercicio de estética y precisión argumental. Una fotografía que viene a seguir los pasos de In the mood for Love, donde cada detalle es de una belleza sublime, así los trajes la casas burguesas con sus dueñas jugando a un típico juego chino…

Deseo y peligro tiene todo las características de un buen cine clásico de espías, una buena trama bien condimentada, la bella mujer el bueno y una historia de amor. Traje gabardina, humo y corbatas al estilo Casablanca. Además de increíbles giros que da la historia; imprevisible para la mayoría de los espectadores que caen en la fácil resolución de la trama.

Pero Deseo y Peligro es sobre todo la historia de una pasión peligrosa. Una pasión que desde el primer momento va creciendo. En uno de los primeros encuentros de la matahari y su victima esta se insinúa con toda la insolencencia mientras intenta convencerlo para que entre en casa. Ese movimiento sensual de llaves mientras dentro los sicarios se preparan para atentar es el principio de este deseo. El clímax de esta pasión culmina en los explícitos encuentros sexuales, tan bien medido que resultan imprescindible para el desarrollo de la película.

El filme una obra maestra en todos los sentidos; una obra de maestro creador, cosa que se vio reconocida con el premio de Venecia a la mejor película y los que vendrán, aunque la censura se ponga por medio.