DESEO Y PELIGRO

Ang Lee es uno de los directores de cine más importantes de la actualidad. Su filmografía es un compendio de pequeñas joyas; El Banquete de boda La tormenta de hielo o Brokeback Mountain Sentido y sensibilidad, Tigre y dragón.

Un cineasta que ha sabido ejercer de artesano de cine dentro de la protección de Hollywood, sin dejar de gustar al público.

Pero sin lugar a duda uno de sus logros ha sido plasmar con fidelidad retratos de un mundo occidental donde él no proviene; (Tawanes de nacimiento) sin caer en la torpeza ni en los sobrecargados tópicos.

Con Deseo y Peligro Ang Lee vuelve a sus orígenes grabando en el idioma de su niñez. La historia se sitúa en plana IIGM, en la China más accidentalizada. En plena tensión chovinista un grupo de jóvenes y reivindicativos estudiantes deciden cargarse a un chino traidor topo de los invasores japoneses. Para tal menester echan mano de una apetecible matahari que entrará en el círculo de la victima.

El filme rodado íntegramente en localizaciones naturales es un ejercicio de estética y precisión argumental. Una fotografía que viene a seguir los pasos de In the mood for Love, donde cada detalle es de una belleza sublime, así los trajes la casas burguesas con sus dueñas jugando a un típico juego chino…

Deseo y peligro tiene todo las características de un buen cine clásico de espías, una buena trama bien condimentada, la bella mujer el bueno y una historia de amor. Traje gabardina, humo y corbatas al estilo Casablanca. Además de increíbles giros que da la historia; imprevisible para la mayoría de los espectadores que caen en la fácil resolución de la trama.

Pero Deseo y Peligro es sobre todo la historia de una pasión peligrosa. Una pasión que desde el primer momento va creciendo. En uno de los primeros encuentros de la matahari y su victima esta se insinúa con toda la insolencencia mientras intenta convencerlo para que entre en casa. Ese movimiento sensual de llaves mientras dentro los sicarios se preparan para atentar es el principio de este deseo. El clímax de esta pasión culmina en los explícitos encuentros sexuales, tan bien medido que resultan imprescindible para el desarrollo de la película.

El filme una obra maestra en todos los sentidos; una obra de maestro creador, cosa que se vio reconocida con el premio de Venecia a la mejor película y los que vendrán, aunque la censura se ponga por medio.

LA BODA DE TUYA

El cine es una de las mejores herramientas para viajar es gratis y no es necesario coger ningún avión. Así cualquiera puede presumir de haber visitado Nepal, la India o New York o quizás Mongolia. Lugares exoticos donde uno cree que los problemas no existen.

La boda de Tuya es un hermoso cuento con moraleja al final. Tuya es una feroz pastora de la estepa mongola. Vive con un marido tullido y su pequeño hijo.

Como toda fábula existe una heroína en este caso no iba a ser menos y Tuya así sustenta este papel, Mujer todoterreno que ante las inclemencias saca todo la fuerza para vivir y hacer vivir a los que le rodean, También está el payaso o bufón con un gran corazón, el niño que necesita protección el consejero y el falso salvador, todos armónicamente conjugados.

La Boda de Tuya confirma la ola de una filmografía casi inexistente que en los últimos años nos ha dado bonitos cuentos “La historia del camello que llora” o “El perro mongol”

Una demostración de la riqueza de un cine que nos es muy lejano y de la utilidad de los festivales internacionales de cine para dar a conocer estas joyas. (Esta película gano el Oso de Oro en Berlín)

Más allá de esta visión cinematográfica “La Boda de Tuya” logra abrir conciencias y observar el papel fundamental que la mujer sustenta en los países subdesarrollados como elemento de imprescindible de desarrollo.

[REC]

Es muy gratificante presenciar la diversidad de géneros que nuestro cine patrio es capaz de abarcar, drama; thriller, comedia terror y horror.

Estos dos últimos han logrado notables éxitos en los últimos.

De aquellas películas de terror semi-porno de Ricardo Franco a Amenabar o Balagueró. Se han creado festivales Sitges o la Semana de Cine Fantástico de Donosti.

En la última edición del festival de Sitges, una película española logró impresionar a la platea. Era la última producción del catalán Balagueró [REC]. La película se llevó los premios de crítica, actriz y director. A partir de ahí la película fue creciendo y la campaña de promoción se puso en funcionamiento. Pequeños trailer y lo mejor un video donde se veía la reacción de la gente en Sitges mientras la veían. A ello se unió la formidable crítica de “reputados” jejeje periodistas y críticos cinematográficos. Hablaban de una reinvención del género de horror, una madurez…

La historia prometía una reportera sigue la vida de unos bomberos en una noche ordinaria. Hasta que reciben una llamada de emergencia de un inmueble donde los gritos de una vecina despierta a toda la comunidad.

Muchos pensaron que se iban a encontrar con una película con un ambiente claustrofóbico, y cargados de tensión. Pero que decepción cuando la película va avanzando y los tópicos comienzan a emerger. En primer lugar la protagonista una guapo muchacha, con camiseta ajustada y manchada de sangre, una niña enferma y diabólica, unos viejos, y el sarasa; muertos vivientes sangre, vísceras y virus. Esto se podría tolerar pero la utilización del susto fácil y previsible rompe con su pretendida trasgresión. ¿Entonces donde reside sus alabanzas? En la utilización de la cámara amateur con planos temblorosos; el juego de la luz los cortes de la grabación; que le dan cierto realismo. Algo que ya habíamos visto en The Blair Proyect

Es justo reconocer la valía de los actores tanto la protagonista principal Manuela Velasco como los secundarios Jorge Yamam Serrano, Pablo Rosso… entre otros.

Ahora a esperar el ramake americano.

PD: ¿La gente que aparece en el público en el anuncio del film están viendo está película?

Y los que hacen los comentarios en el foro de youtube son reales o infiltrados? Cada uno que saque sus conclusiones.

LEONES POR CORDEROS

La vida puede ser vivida de tres formas distintas; participando en ella activamente, ser espectador no crítico, o el pasotismo conformista.
En Leones por Corderos la última propuesta de Robert Reford así lo sentencia.

Ante el fracaso de la contienda en Irak y Afganistán, la Casa Blanca plantea una nueva estrategia. El senador Irvirn encarnado por Tom Cruise concede una entrevista a la periodista para darle cuenta de las nuevas tácticas. Durante la conversación de más de una hora que mantienen. El Senador intenta convencerla con el propósito de lograr el beneplácito de una buena crítica y el apoyo de la prensa. La conversación cargada de pura demagogia grandes palabras en total ausencia de crítica no conduce a la meta deseada. Pero si despierta en Janine Roth (Meryl Streep) su espíritu crítico.
En California el profesor Robert Reford se entrevista a un alumno díscolo pero prometedor. El maestro intenta convencer al alumno de su capacidad para la crítica la necesidad de reaccionar. Objetivo conseguido.
En Afganistán dos jóvenes soldados luchan por su mejor mundo, jóvenes desposeídos de destino que parten a la batalla para poder cumplir sus deseos. Objetivo fracasado

Leones y Corderos se divide en tres historias paralelas en el tiempo y espacio. Una reputada periodista y un senador. Un joven díscolo y su paternal profesor, y dos soldados. California, Washington y Afganistán. Unidos por el mismo hecho.
Reford a partir de estas tres historias crea un discurso efectivo. Son tres alocuciones aisladas pero con un fin común,
Tanto la alocución del senador y la periodista como el del profesor y el alumno se desarrolla en un único decorado. Espacios que con el paso de la cinta y la madurez de los personajes de la periodista y el alumno se amplían.
El mensaje mantenido en el film no admiten ambigüedad pero si su respuesta. El film termina con una cruel conclusión; ¿o quizás no? Al espectador le tocará juzgar.

La Guerra de Irak uno de los grandes errores de este joven siglo. Ha logrado sacar a flote una sociedad narcotizada. A los hechos tan dramáticos y a las mentiras tan gordas muchos han reaccionado.

Como en toda película antibélica americana, el chovinismo barato aparece sin rubor alguno. Así vemos como los soldados deciden morir de pie ya moribundos para honrar a la Patria. Había que saber si aquellos corderos que envían ejércitos a luchar estarían también dispuestos a morir por el País.

PROMESAS DEL ESTE

Nunca una filmografía representó de forma tan clara la madurez como la de David Cronenberg. Sus últimas películas nada tienen que ver con su primer cine y más cercano a la serie B que aun cine de autor.

El despeje de esta etapa comienza con la realización del Almuerzo desnudo, basada en la novela de Burroughs, la asfixiante Crash, la magnífica Una historia de Violencia y la última “Promesas del Este”

Promesas del este es la historia de la mafia rusa en el Londres actual. Un retrato sobre la complejidad de la diversidad cultural.

Una noche una joven rusa entra en una tienda pidiendo auxilio; después de haber sido sometida aun fracasado aborto. Su vida no se salva pero si la de su hija recién nacida. Sin nombre y sin dirección. Un único diario será la herramienta para encontrarle familiares al bebe.

Un diario que se convertirá en al verdadera llave de la historia.

Como toda película sobre la mafia tanto sea italiana o rusa Promesas del este se recrea en ambientes marginales asfixiantes, con la ostentosidad hortera que envuelve a todo capo, o en este caso jefe del clan. Lugares donde convergen todo hecho delictivo; contrabando de alcohol, prostitución, drogas… Un ambiente en el que todo el mundo desconfía del vecino, ya sea familiar o simplemente conocido.

Y así en “Promesas del Este” se palpa durante toda la película un miedo y una violencia explicita que bien generan una tensión contenida el mayor logro del filme.

Cronenberg recurre en esta narración a sus gusto por las vísceras; rajadas en el cuello de la que brota sangre rabiosa, dedos mutilados, y un erotismo violento de la mano del protagonista.

Tanto en esta película como en las dos últimas el director canadiense rompe con la tradición de usar actores fuera del starsystem. Echando mano aquí de actores ya consagrados Mortensen y Naomi Watts. Ésta última con un personaje muy cercano al que ya protagonizó en 21gramos. Roles en los que explota todo su potencial interpretativo.

UN CORAZÓN INVENCIBLE

El conflicto de Oriente Medio está continuamente ocupando las portadas de los telediarios y periódicos. Ha llegado a hacerse tan cotidiano que todo el mundo da por hecho conocer sus orígenes; pero nada más lejos de la realidad. Nuestro acercamiento se minimiza a lo que las noticias dicen. Si vemos un atentado nos mencionan el número de muertos, la composición del explosivo, los daños muebles… Menciones que lo que buscan habitualmente es el titular atractivo y escandaloso.

Uno de sucesos más repetidos y sufridos en estás zonas tan conflictivas es el rapto de rehenes ya sean periodistas, cooperantes, o miembros de ejércitos de ocupación… A la mente nos viene el secuestro de las cooperantes italianas, de los 18 coreanos y del periodista luego ejecutado Daniel Pearl. El primer secuestro que se produce tras el

11-S.

A partir de este último secuestro el prolífero Michael Winterbottom dirige A Mighty Heart que narra de forma pormenorizada el secuestro y posterior ejecución. Quizá sea un fastidio contar el final pero cualquier que haya seguido el rapto sabrá cual fue su desenlace.

Winterbottom ya se había inmiscuido en el conflicto talibán con la formidable Road to Guantánamo e In This World. Conocedor de este mundo ha dado una nueva pincelada a esta realidad.

A partir del libro de la esposa de Daniel Pearl. Winterbotton escribe un bello filme sobre los vericuetos del rapto del periodista americano.

Muestra una visión íntima pero no sensiblera del secuestro. Logrado gracias a la combinación de un medido thriller y una historia personal certera. No hay grandes bombas ni persecuciones espectaculares, pero si un peregrinaje personal de los protagonistas que resulta agotador. A ello contribuye el papel desempeñado tanto por la protagonista principal, muy correcta y comedida con una formidable secuencia final de desgarro total. Como el resto del elenco.

Otro de los aciertos del filme reside en haber sido capaz de plasmar la visión de los protagonistas reales cuyo ideal es llamar aun entendimiento entre culturas a través de la música y las expresiones artísticas... algo de los que muchos en la actualidad se mofan.

WHISKY ROMEO ZULU

Con tres años de retraso se estrena en España la película argentina Whisky Romeo Zulu.

El realizador E. Piñeyro lleva a la gran pantalla un hecho que conmocionó a toda la población argentina.

En 1999 un avión de la compañía de bajo coste AMPA sufre un accidente que termina con la vida de unas decenas de personas. LA investigación posterior revela una compleja trama.

Las vicisitudes de este suceso guardaban material muy rico. Que cualquier aventajado no lo iba a dejar escapar.

Con tales ingredientes la película ya estaba hecha. Pero como en toda receta una buena condimentación es la base de la distinción.

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La película cuenta con una narración en dos sentidos. Aquella que nos habla de las causas y aquella que nos lleva a la consecuencia. Y así en los primeros minutos del filme vemos el inicio de una declaración. Y el despegue del vuelo siniestrado. Imágenes de un lado y otro se irán yuxtaponiendo para componer esta cinta.

Uno de los aciertos del filme es ahondar en uno de los pecados capitales de esta sociedad. El culto exacerbado a la superficialidad; ya sea material o personal.

Donde el cliente compra lo que le parece atractivo visualmente, olvidándose de lo realmente importante; el contenido.

Ello ha llevado a la estupidez mercantil del cuidado excesivo de la imagen. Bien reflejado en el filme. En aquel enfrentamiento de Mr T con el responsable de la compañía por las ineficiencias de las aeronaves. Teniendo como respuesta de éste la obligación de mantener una buena apariencia y el deber de recortarse la barba.

O aquel momento donde el jefe rechaza leer los informas para no interrumpir la trascendental tarea de escoger un nuevo traje para sus empleados.

Una película notable de nos ser por la prescindible historia de amor.

PAHA MAA

Para muchos el cine de otras latitudes. Aquel que no viene de la Europa vieja o del Imperio Americano. Es sinónimo de tostón típico de un intelectual riguroso. Un cine de proyección en festivales que si gusta Existe la oportunidad de que llegue al gran público.

Entre este se encuentra el cine nórdico. Con importantes representantes: Kaurismaki (Finlandia) Bergman (Suecia) Las Von Trier, Thomas Vinterberg (Dinamarca). Y clásicos como Mauritz Stiller, Dreyer o Victor Sjöström.

Desde hace tiempo, en el panorama internacional. Han emergido nuevos talentos, de estas latitudes, Cristoffer Boe. Con una pequeña joya, Reconstruction y Aku Louhimies que se dio a conocer con Paha Maa.

Cineastas nacidos en los convulsos años 60y 70 del siglo XX. Realizadores que han mamado tanto el cine clásico como la cinematografía contemporanea. Son hijos aventajados de Kubrick, Spielberg. Defensores de un nuevo lenguaje y que no tiemblan a la hora de “homenajear” a sus ídolos.

Ejemplo de ello es el film Paha Maa de Louhimies.

Paha Maa son varias historias cruzadas en un lugar concreto. Historias no lineales . Con una estructura que recuerda a títulos ya míticos como Vidas Cruzadas, Magnolia o los recientes 21 gramos y la mediocre Crash. Que habrá de ir tejiendose poco a poco. Dividida en cuatro episodio interdependientes. Beber, El Hacha, Familia y Policía. Algún malpensado que vea la película podrá acusarla de ser un plagio de 21gramos pero nada más lejos. . Y no se ha de esperar al último fotograma para comprender el conjunto.

Y todo ello en un ambiente nevado (Tierra nevada quiere decir Paha Maa). Con personajes perdidos un joven que sufre los avatares de su padre cuando éste es despedido. Un vendedor frustrado de champú. Un viejo parado. Unos jóvenes que pretenden dar un golpe maestro. Y una policía atormentada. Cuyos vínculos son un billete de 500€, una persecución, un homicidio o una botella de ginebra.

Si hay que ponerle nota estaría entre un 7 o 7`5. O tal vez un 8. Cada uno que decida.

DAYS OF GLORY

Repasar la historia nos puede ayudar a saber que motivos lo propició. Francia sufre un grabe conflicto racial. Un conflicto donde los porques tienen una fácil respuesta. Haber dado la espalda a todos aquellos que han ayudado a hacer de un país lo que es hoy.

En la IIGM el ejército francés reclutó millares de hombres de sus colonias. Para luchar contra el Nazismo y liberar Francia.
A la llamada muchos indígenas respondieron.
Pero pobres ellos; la libertad que intentaron venderles no la lograron..
Y fueron ignorados, burlados e insultados. Su esfuerzo cayó en saco roto.
Un olvido que duro hasta nuestros días.

Se puede reparar ese daño?

Esta historia puede oler: pero hay que contarla cuantas veces sea necesario para no cometer los mismos errores.

Days Of Glory, es una película sencilla, pero con una desnuda intensidad. Que sólo se logra cuando se habla de una historia verdadera. Y aunque de la impresión de película bélica nos encontramos ante un drama humano que traspasa cualquier género.

Un film tan potente que ha hecho que el propio presidente de Francia Chirac reconsiderase la política de pensiones para los excombatientes.

Poco más se puede decir de este gran film. Que cuenta con unos de los finales más conmovedores visto en los últimos tiempos.

Una película obligatoria para todos aquellos que reniegan de la existencia del otro.

JUGAR A SER MAYOR

Todo infante se ha creído que unas ardillas podrían convertirse en valerosos rescatadores. O que unos jóvenes resolvían grandes misterios en el club de los cinco o de los siete.
Libros o films donde la crueldad de los hechos era suavizada por personajes animados nacidos del ingenio creador.
Es inimaginable que una película como “el Rey León” fuera apta para niños de no ser un film animado.

El director norteamericano Rian Johnson, ha creado un adolescente thriller, pero no sólo para niños en la edad del pavo.
Cine negro al estilo antiguo con personajes propios de este género pero en cuerpos de adolescentes en celo.
Un detective y su inteligente y eficaz ayudante. El capo de la mafia con capa y bastón y una oficina en el sótano de la casa de sus padres. Sus secuaces. Un matón con mucho músculo pero escaso cerebro. El yonki que se enamora de la chica. Un cadáver. La femme fatale, y la chica de pocos trastos; más puta que las gallinas. Y sin olvidar los elementos, un cigarrillo, armas blancas, pistolas y la ropa del detective. En vez de gabardina una zamarra, y las gafas de joven pensador. Mensajes en clave y lugares ocultos.
Y para completar la trama. El sucio mundo del los narcotraficantes. Y todo en rostro adolescente.
Condimentado con cierto toque de humor muy negro (la madre del capo les prepara el desayuno a su hijo y sus amigos.) y una banda sonora propia de los Cuarenta Principales.

El resultado de tal experimento ha sido una gran parodia sobre las películas de misterio. Con un estilo muy cuidado y mucha imaginación.

Una nueva película de culto al estilo de Donnie Darko.

LOS GIRASOLES CIEGOS

Alberto Mendez, murió sin ser partícipe del éxito que alcanzaría su única novela. Este hecho pudo propiciar la alabada crítica de tal obra. Pero eso sería una falacia. El libro está en una calidad insuperable. Rindiéndole un pequeño homenaje a Alberto contaremos los avatares de este libro. Alberto Méndez era un perfeccionista. Y como todo quisquilloso su obra la depuró unas docenas de veces. Debió de pensar “debo hacer un libro corto e intenso, Donde no sobre nada. Cada palabra sea necesaria e imprescindible” Y lo logró.

Cuatro relato compone este libro. Cuatro relato que discurren por la época más oscura de nuestra época. La Guerra Civil y una trágica posguerra. Con personajes puros, un soldado del bando nacional que al terminal la guerra decide pasarse al bando vencido. La culpa de haber matado y de ser participe de una corrupta victoria; lo asfixia.
O aquel relato en que un niño es cómplice del miedo de ocultar a un padre subversivo.

Narrados con mucha sencillez. Una sencillez que hace a los relatos ser tan punzantes a la mirada del lector.

Utiliza la técnica; de contar el mismo relato con distintas voces y distintos métodos . “Los girasoles ciegos" uno de los relatos y el que la da nombre. Son tres voces las que lo escriben, una confesión, un relato narrado en tercera persona que se complementa con otro del protagonista.

Para no desvelar nada más sólo nos queda decir: Una obra redonda de un “pequeño” escritor

PD: Es una curiosidad, a Alberto Méndez le ha pasado lo mismo que a Dulce Chacón. Que el reconocimiento de su trabajo, una trágica enfermedad se los han llevado.
“Una simple coincidencia”

JUGAR A SER NIÑOS

Uno no sabe realmente cuando se hace adulto. Dependiendo de los ritos de cada cultura. Uno puede considerarse mayor cuando alcance la mayoría de edad, vaya a la universidad, tenga su primer fracaso amoroso o sepa reconocer los límites. Pero cabe la posibilidad que aún alcanzados estos objetivos, uno no sea adulto. Pues la madurez es la necesidad de aceptar ciertas responsabilidades y no de traspasar hitos. Algunos no han alcanzado la madurez necesaria para tomar su propias decisiones, y toman las de los demás.

Hace unos años Michael Cuesta relato con un realismo atroz la caída en desgracia de un descarrilado chico. Dirigió y escribió capítulos de la mejor seria de la TV “Six Feet Under” Pero la pequeña pantalla se le hizo pequeña y al primer trabajo cinematográfico LIE. Se ha completado con una pequeña joya. “Twelve and Holding” Un terrorífico cuento de niños. Un relato que comienza como una película madura con una muerte que desencadena un alud de acontecimientos. Aunque en un principio da la sensación de estar ante otra película del ego-americano esta rebasa la barrera que impide el acercamiento y la compresión. El mundo se ha globalizado y sus costumbres también.

Una niña-mujer que tras su primera regla. Sufre el nacimiento de una libido, un gordito tras la caída en el accidente que le cuesta la vida a su amigo decide comenzar una nueva vida. Y un niño que tiene hacer frente al odio que genera la muerte de hermano y a la madurez de campear la contrariedad de sentimientos.

Y en escena aparecen unos adultos que juegan a ser niños. Con una ceguera que sobrepasada por los acontecimientos. Se contradice con la serenidad y desconcierto con el que los más pequeños se enfrentan a la realidad.

Y es la inocencia la claridad de ver la realidad sin ningún espejo lo que les hace críticos.

Existen momentos estelares como los encuentros entre el hermano del fallecido y los asesinos de este. Frases tan lapidarías “Puto cabrón me han encerrado por tu culpa en una pequeña celda” -“Mas pequeño fue el ataúd en que metieron a mi hermano” y momentos sobrecogedores y llenos de ternura; el encuentro de la niña con el objeto de sus fantasía tras acicalarse.

Una película que puede encuadrarse en la ola de cineastas reverentes como Tom Solondz “Happines” “Storytelling” o “Palíndromos” que enseña la imagen más ruda de nuestra vida, siempre con moraleja incluida.

TRASTORNO BIPOLAR

A una semana que se celebren los comicios franceses. En un ambiente muy caldeado.
Es recomendable hacer un examen de conciencia. Un examen de conciencia que nos permita explicar una por que se esta viviendo una contienda electoral tan dura en el país vecino y en otros países que recientemente que han celebrados sus comicios.
Exponer una serie de motivos que explique este ambiente en la Francia es imposible. Pero si uno se puede dar pequeñas pinceladas. Francia al igual que Alemania y el resto de Europa está viendo como esa sociedad de bienestar tan ansiada es incompatible con los nuevos tiempos. Francia tiene un problema de emigración. Un problema de emigración que se ha hecho latente y que pronto se verá en nuestro país. Unos emigrantes que no se han adaptado a la estructura de un Estado, y un Estado que los ha marginado de forma consciente. El problema ha explotado y sus consecuencias han hecho que ante la falta de seguridad y el miedo que reina toda esta sociedad. Hayan emergido salvadores de la patria. Ante este problema la posición ha sido extrema. Grandes palabras para una potente integración o feroces donde la deportación y la xenofobia serán la solución. Pero este no es el único problema del país galo. La jornada de 35 horas auspiciara por los socialista no ha dado sus frutos, los resultados han sido distinto a los deseados.

Ante una inestabilidad e inseguridad el pueblo se arrima al más fuerte. Al que alza la voz al que se considera valor seguro. Aquel que ya sabemos lo que nos ha de ofrecer. Así cabe determinar que las elecciones en Francia ya tienen un ganador.

Francia, no es el único país europeo que sufre esta gran división. La particular política italiana está alimentado el renacimiento de ciertos movimientos de extrema derecha que parecían superados. Ya se habrá de nuevas brigadas rojas.

Cruzando el charco tenemos el problema americano, con dos américas, la profunda y cerrada de miras; y la costera con un poco más de visión. Una diferencia que más tiene que ver con problemas morales, que con las habituales diferencias. Su vecino México también esta viviendo su propio calvario. Tras una ajustadas elecciones, donde la diferencia fue de medio punto. La división llegó a México y sus diferencias entre pueblo y ciudad se han visto muy desnudas. Ante tan desequilibro el derrotado populista López Obrador decidió crear un gobierno paralelo. Generando una inestabilidad nunca vista en ese país.

Pero sin lugar a dudas el caso mas sangrante y del que cabe reflexionar; es España. Ya no importa quien esté crispando. Quien no haya sumido la derrota o quien práctica políticas muy cuestionables. Lo más problemático es que este ambiente haya propiciado la aparición de movimientos que nos traen malos recuerdos. Y haya penetrado en la gente. Se vuelto a señalar como se hacía en los tiempos de represión. A tal nivel de estupidez hemos llegado que según lo que comas lo que lees, lo veas y por donde vayas estas de un bando o en el otro. Si bebes cava eres un roja separatista, si eres rubia de una pepera del OPUS, si vas a la iglesia de extrema derecha. Si eres gay o sudaca tienes que votar al la izquierda de otra manera te consideraran un tonto de capirote. Y si eres un honrado empresario votaras al PP. Pero esta diferenciación ha llegado a nuestras casas. Cuidadito! hablar en una comida familiar de terrorismo, matrimonio, o el estado de las carreteras. La vajilla puede saltar por lo aires. Si uno no puede hablar de forma civilizada respetando las opiniones en su propia casa que esperamos hacer fuera.

Todo está ocurriendo en un momento que según los expertos la gente esta más desligada de la política. Pero nunca la política empapo tanto nuestras vidas.

Ante tal estado la única medicina es una sola RESPETO. Negar al a contrario, es negar un aparte de la realidad.

FRAGMENTOS DE VIDA (UNA EDUCACIÓN NADA SENTIMENTAL)

Fragmentos de una vida de Sybille Bedford es un recuerdo de una época pasada. Periodo de entreguerras, inicios de la segunda contienda bélica. Una de las épocas más productivas artísticamente del siglo XX; vanguardias ya maduras con autores consagrados.

Un libro que se enlace en tres lugares distintos. La Alemania posbélica, la Inglaterra de los años 20 y 30, la Costa Azul germen de un turismo cultural y aristocrático y Italia decimonónica. Marcado por dos de las etapas más importante de un ser humano la infancia y la adolescencia paso a la madurez de su autora protagonista.

Narrada en primera persona; parte de un relato de una vivencia como el título dice nada sentimental pero si excepcional.

Una autobiografía donde el desnudo de la autora llega a ser total.

Hablar de los personajes de la historia es desvelar la misma. Pues son todos tan intensos que ninguno pesa más que otro.

Se puede decir mucho de esta obra. Pero lo que cabe preguntarse a que se debe la publicación. Después de tantos años muertas.

Unos meses atrás hablamos de un best.seller con más calidad que la mayoría de ellos. (Suite Francesa de Irène Némirovky). Una novela ambientada en la II GM que cuenta los avatares de su protagonista. Con una narración viva y uniforme.

En septiembre del años pasado la misma editorial que publicó Suite Francesa. Publica el libro al que nos referimos hoy. Con un eje temporal distinto. Pero si con unas características muy similares. Las dos fueron escritas por una mujer. Escritoras olvidadas o desconocidas para la mayoría del público. Y aunque como hemos dicho en distinto eje temporal. Las dos obras tiene como referente la IIGM.

Hace pocos meses la editorial Lumier ha publicado la obra de una desconocida escritora. La italiana Goliarda Sapienza (Prueben a buscar en el Google su nombre haber si aparece algún enlace en español). Y parece que va para largo y que nuevos descubrimientos se avecinan

Todo esto no es casualidad, mas bien una buena estrategia de marketing. Donde el ansia de las mismas sensaciones anima al “lector” a acercarse a un valor seguro y al editor publicar aquello potencialmente rentable.

Esto hecho no es la primera vez que ocurre. Con echar la vista atrás; el cuestionable “Código Da Vinci” tuvo una multitud de malos imitadores superando muchas veces la ínfima calidad del Da-Vinci.

PAUL IN BROOKLYN

Aquí todo un ejemplo del refrán español “Échate la fama…” Y es que del último libro de Paul Auster es lo único bueno que se puede decir.

Uno puede nacer con el arte de escribir, de componer música o de pintar. Aunque la vida le de ese don, sino lo trabaja poco a poco caerá en una monotonía dañina tanto para él como para los que quieren disfrutar de su arte. Y esto le puede haber pasado a Paul Auster. Desde varías obras venimos sufriendo su unidimensión. Y su poca originalidad a experimentar. Aunque en esta obra utiliza la técnica muy empleada en el cine del (cine dentro del cine. En este caso un libro dentro de otro libro)

Pues el protagonista de este relato un hombre maduro recién divorciado jubilado y despreciado por su hija tiene que hacer frente a una nueva vida en el archiconocido Brookyn. Allí se encuentra con su sobrino más prometedor. Que de futuro catedrático se convierte en un ordinario taxista hasta llegar a ser un fructífero librero. Que trabaja para un librero homosexual reinsertado después de haber pasado por la cárcel por un delito de falsificación. Y para entra en el juego aparece la hermana del taxista sobrina de nuestro insigne protagonista loca mujer que empieza siendo actriz porno y termina en manos de un fanático religioso. Y todo esto en un tiempo muy determinado las elecciones del 2000 al atentado del 11 de septiembre. Con la novedad que es el protagonista quien recoge algunas de estas vivencias en el libro que está escribiendo.

Así de sencillo es este libro.

Para más inri y asombro esta obra ha sido recibida por algunos con todos los elogios habidos y por haber. Desde una increíble moraleja; prosa maravillosamente fluida… Y toda una metáfora, halago y termino muy utilizado cuando la falta de ideas es notable. Pero algo bueno tiene este libro, es la facilidad con la que se lee, igual que se ve una película semi-intelectual de Julia Robert.

A Paul Auster le viene ocurriendo lo que a muchos autores. Su prolifera obra. Casi libro por año. No esta relacionado con la calidad.

Y aunque mucho se empecinen de elevar Paul Auster como signo de la literatura americana del momento. Este no está a la altura del mordaz e inteligente Phillip Roth.

LAST DAYS

Hablar de esta película después de una primera visión puede ser todo un reto. No es la complejidad del guión, su larga duración o la complejidad de algún personaje que dificulte cualquier interpretación del film. Es la forma narrativa que puede hacer que algo pase desapercibido.

Y es que Gus Vant Sant, cuenta la caída de una supuesta estrella del rock. Supuestamente Kurt Cobain. (Cabe señalar que como luego avisa Gus Van Sant esta película no es ningún biopic)

Last Days comienza con un intenso travelling. La cámara espía al personaje. Se mantiene distante. Una distancia que se plasma en la filmación de la escena del río. Él en una orilla; la cámara en la otra. Dondeél va a el encuentro del objetivo cruzando un río.
Y la cámara sigue al personaje. Cuando camina intentará acercarse a él. Se arrima a su espalda pero no lo alcanza.

Espiando vemos a él como se desnuda y se traviste. Llegándose incluso a travestir su personalidad.

El personaje deambula en una casa desordenada, casi reflejo del desorden interno. En una escena vemos como una de los habitantes abre la puerta, y nuestro héroe cae, minutos más tardes vemos la escena desde el propio personaje. Y es el juego de los vises el que se va repetir a lo largo del film. Los evangelistas, la visita de Donovan, en; (la segunda vemos como escapa…)

Durante la mayor parte de la cinta la cara del personaje y personajes permanecen oculta. Unas veces aparece de perfil, otras con la cabeza gacha, o de reflejo en un cristal. Pero él no es el único. Otro personajes sus rostros aparecen distorsionada; por el reflejo de los árboles sobre el cristal de un coche, escasez de luz... No será hasta el final cuando veamos su rostro en plenitud.

Y todo ello nos ayuda a sentir el tedio de su protagonista su desilusión y su indiferencia a todo cuanto le rodea o le rodeó.

Como toda película de este director neoyorquino. Existen algunos paralelismos con sus anteriores obras. La utilización del tiempo Elephant, el juego de la cámara con el protagonistas (Gerry); el personaje casi marginal y las siempre connotaciones gay a veces de adorno pero en este caso, justificables.

Una pequeña joya; con muchos retractores que se desesperan de su falta de acción. Al ser más un cuadro a observar que 25 fotogramas por segundo.

Y todo esto en una única proyección. De una película estrenada en el 2004 en Cannes que todavía no ha llegado a nuestras salas.

DUELO DE TITANES

Después de haber visto Notes on a scandal. Es fácil comprender porque está película ha sido casi semi-oculta en la bien pensada USA. Aunque contará con varías nominaciones a los premios de la Academia. Entre ellas las de mejor actriz secundaria y principal ambas muy bien merecido

Si el argumento ya de la película resulta atractivo. Bella profesora flirtea con joven alumno con roce incluido. Más aun cuando este queda casi arrinconado por el tsunami que provoca.

Para empezar situémonos en la tradicional Inglaterra. En uno de esos barrios atestados de marginales e hijos de marginales que como dice Judith Dech hay están los futuros barrenderos fontaneros…

Dos profesoras una joven y otra veterana y quemada. Más por su vida que por su trabajo.

Una familia modelo y una vida superficial que acompaña a la novata. Que razón tiene Bárbara cuando contempla a Judith danzando con su familia de forma ridícula y altamente grosera.

Y viene el roce y la chispa empieza arder. Tal como muchas de estas películas han reflejado este flote genera todo un calor que puede quemar a cual se arrima. Y así, y solo se salva quien también fuego es.

Consumido el hecho comienza la acción un juego de control en el que aguante gana. O pierde según se mire.

Sin lugar a duda esta película podría acabar colgada en alguna sobremesa de cualquier TV. Pero se sostiene por dos pilares con nombres propios Judith Dench and Cate Blanchett.

Judith Dench en el papel de Bárbara una vieja profesora y sufrida mujer. Por un secreto que oculta pero que todos conocen. ( la escena de la hermana cuando le pregunta por su amiga o durante la comida de navidad) Solitaria con un gato sabedor de sus confidencias al igual que sus diarios. Única lugar donde su imaginación se convierte en realidad y donde describe las tretas que le pueden hacer cumplir su deseo.

Y como en cualquier película de suspense. Bárbara mitad detective mitad delincuente mitad sufrida mitad maquiavélica. Que no duda en la fragilidad de la otra para convertirse en vampiro.

. Se enfrasca en una persecución de gato y ratón o más bien de gato a gato. Pero con ciertos matices. Una oculta un secreto a voces rechaza por su incomprensión y la otra una confidencia inmoral. Las dos juegas su papel auque alguna parta con ventaja.

Richard Eyre. Directo de Iris el biopic de la escritura inglesa Iris Murdonch. Dirige nuevamente a Judith Dench y a la nueva Cate Blanchett. Si en la anterior obra echaba mano a otra gran actriz Kate Winslet en esta la australiana recoge el relevo con nota.

Pero no es todo lo que reluce en el film. Su banda sonora del siempre excesivo Philip Glass. Y un final para muchos muy cuestionable. Que recuerda a los thriller en los que se ve de nuevo al asesino engatusando a su próxima victima.

300

El cine histórico que de un tiempo a esta parte ha resurgido con virulencia. Tiene en la cartelera otra cinta “300”

Trescientos eran los soldados espartanos que se enfrentaron al monumental ejército persa. Así de simple es el argumento de este film.

Para plasmar este majestuoso relato. Basado en afamado cómic. El director eche mano de nuevos recursos estilísticos. Una fotografía envejecida de color papel reciclado. Y una apreciable digitalización del decorado. Todos estos medios dan una sensación de cómic en movimiento trazado con lápiz. Con unas batallas, lo más relevante y lo salvable de este film.

Está película se puede integrar en la nueva ola de un cine más cercanos a los videojuegos o el cómic que al séptimo arte. Aunque el cine sea un arte en experimentación de nuevos formatos, estructuras… Estos avances sólo serán efectivos cuando aporten un poco de calidad. Cosa que no pasa con este fallido 300.

Lo llamativo de 300 es su juego con la técnica y no de un argumento ni sostenible ni atrayente. Que sería esta obra sin sus paisajes envejecidos sus batallas.

Los personajes se pierden en los tópicos del cine histórico amueblado con algún matiz. La traición, el ansia de poder, la venganza… y un poquito de sexito pero muy tradicional aunque haya diversidad de posturas amatorias.

Una de las cosas que llaman más la atención es la sensación de en vez de estar viendo una contienda parezca que asistimos al Gaypride. Con unos cuerpos semidesnudos depilados, túnica y un tanguita marcando paquete. Y como reinona de esta marcha: Xerxe el jefe persa. Además de las múltiples connotaciones gay “quieres que te cubra la espalda ahora no me apetece” escupido en plena batalla. El baño de Kirk Douglas en Espartaco es un juego de niños. Esto daría para un artículo a Etxebarria

Y para adecentar un poco más el film se añaden personajes outside, un tullido, unos monjes deformados, un gigante una bestia rinoceronte…

Un film que bien se podría haber estrenado en la pequeña pantalla, y en antena3. Cosa que haría que muchos ya no tuviéramos ninguna curiosidad en verla..

RUIDO

En una clase de treinta niños. Cada uno con sus características el que haga más expolio haga es el que gana. Se convertirá en el centro de la clase. Consiguiendo muchas veces marcar los pasos del aula. Unas veces esta situación anómala es corregida por medio del aislamiento del cáncer. Erradicado el problema los conflictos importantes vuelven a surgir.

Estamos viviendo en estos momentos; como el niño mimoso de la clase dirige nuestras vidas. Un niño que no deja escuchar los verdaderos interrogantes de este momento y del que viene.

Ante la intensa pataleta hemos cedido muchas veces dar el chupete al mimoso, para dejar de escuchar sus agotadores gimoteos.

Pero esto es todo un premio para el agitador que repetirá tales mañas.

En la actualidad estos sollozos caprichosos nos están impidiendo afrontar los grandes problemas de próximo futuro. Solos algunos con potentes amplificadores han hecho que centremos la vista en lo importante.

Tal como el cine ha plasmado en innumerables películas los tiempos futuros van a ser muy problemáticos. Mad Max hablaba de un futuro pintado por un gran desierto donde el agua es todo un lujo. O Blade Runner un mundo oscuro con gran tecnología pero personas totalmente alienadas. O recientemente Children of Man. Un mundo apocalíptico, de violencia, y tremendas desigualdades, donde la innovación quedo estancada.

Cual de estas tres visiones se acerca a la realidad? Pues señores las tres. La escasez de agua va marcar nuestra futura existencia. Será un recuso escaso que como todo aquel, generara tensiones, provocara guerras y será propiedad de unos pocos. Que despilfarraran sin ton ni son.

La alienación del individuo no lo estamos viendo ya? En trabajadores de aquellas grandes empresas que después de una semana y previo lavado de cerebro se convierten en clonados soldados de un poderoso emperador.

Y las desigualdades tan persistentes de hoy; que serán aumentadas en el mañana.

Pues para nuestra preocupación y desconcierto estos próximos conflictos. No están siendo afrontados como verdaderamente se merece. Ni desde el ámbito privado e individual por faltas de miras ni en el público. Muchas veces por puro interés personal o grupal. En este país no estamos viendo como el agitador se lleva el gato al agua.

Mientras tanto; el tiempo pasa, y los problemas crecen. El ruido del niño esta siendo tan insoportable que guía nuestra vista hacia él. Ocultando los verdaderos problemas que algún día tendremos que hacer frente. El temor es si cuando tomemos cartas en el asunto no será demasiado tarde.

OBRA DE ARTE O TAMADURA DE PELO

Para hablar de la última película de David Lynch. Partamos de dos visiones completamente distintas una visión “positiva” y una visión “negativa.”

Según la primera visión. Lynch ha vuelto hacer una obra maestra sumergiendo de nuevo en sus obsesiones. Utilizando nuevas técnicas de grabación. Cámara digital que dota a la película de cierto toque amateur. El ruido de la imagen y el movimiento tembloroso de la toma son la consecuencia de esta nueva forma de grabar. Permitiéndole dar la sensación de descomposición para hacer al espectador trabajar.

Este film es una continuación de su magna obra; (no por cantidad sino por calidad.)

Los ambientes son oscuros dominado por colores azulados. Mulhollad Drive donde el azul es una habitación en la que se esconde la llave que abre la caja. El azul de Blue Velvet, el negro de la propia oscuridad. No colorear la imagen provocar sensación de desconcierto… Ambientes cargados de símbolos, unos conejos, una televisión encendida con hormiguero, y la música canciones donde los personajes canta o bailan o son espectadores.

No hemos hablado del argumento por que ahí está el juego de la película. Cada cual que se monte la suya. Pero si es posible realizar una pequeña sinopsis. Una afamada actriz espera ser elegida para realizar el papel de su vida. Un día recibe la visita de una extraña vecina. Un personaje propio de Lynch con una cara resultona y poco fiable. La cual le hace unas series de premoniciones sobre su nuevo trabajo. Y frase lapidarías que pueden ayudar a resolver ciertos enigmas. “Si hoy fuera mañana la factura quedaría sin pagar”

Su compañero de película es un atractivo hombre que desata los celos de su marido.

A partir de esto y después de ver con claridad este argumento la cosa se complica cuando la ficción se confunde con la realidad. Para terminar la película sólo se puede comprender si has visto toda la obra de este señor. Ya que esta supone un nuevo estadio en su producción. Ahora sólo hay que esperar si este cambió se ve en la posible adaptación de una obra de Javier Marías que haría LYnch

Visión negativa. Que coño es esto? Menuda paja mental tiene en Lynch. Otra vez tomándonos el pelo. Gracias a la pretenciosa y moderna mirada de algunos espectadores; que ven arte en cualquier movimiento. Pero, si en su anterior película se salvaba por la impecable puesta en escenas. Aquí es todo tan casero que da la sensación de un corto de un primerizo; que utiliza lo abstracto para guardar su falta de creatividad. Y que decir de la música, donde esta Angelo Badalamenti. La de Mullholand Drive era toda una obra maestra. Esta es aburrida y no casa con el film. Y eso que la de Mullholand Drive fue compuesta antes de grabar la película.

Lo único salvable es la interpretación de la gran Laura Dern, en lo que todos d estamos acuerdo.

Conclusión que cada uno elija la que más le conviene y si quiera que añadir algo que lo haga.

The Host

A veces resulta todo un esfuerzo sacar alguna reflexión coherente de algunas películas. Para encontrar cualquier significativo muchas veces acudimos a la metáfora. Lo que el autor ha querido decir es….

Buenos pues en Host nos podemos tomar la libertad de buscar el significado de esta obra y su buena acogida entre público y crítica.

Para ello vamos partir del personaje principal el monstruo. Muy indefinido no se parece a Godzilla, ni a la polilla gigante ni a la hormiga atómica. La descripción que más se ajustaría sería la de un bicho alargado parecido a un camaleón pero con piel gris de pez azul y lo más sobresaliente una gran cola, destructiva y herramienta de caza y una tremenda boca que termina en dos bocas rotas con sendas líneas de dientes. Unas lenguas viperinas y una garganta parecida a un gran ano.

El monstruo según el artista podría ser un fruto de la contaminación radiactiva producida tras la II G. M. o de la contaminación ambiental, un castigo de un ser supremo por los daños sufridos en nuestra tierra.

Y si por el contrario el monstruo es un animal fruto de la mente de los personajes. Esta teoría se podría rebatir según los siguientes argumentos.

Las tres personas que integran esta familia tienen cada uno una disfunción, un Padre compasivo y victima de los problemas de sus hijos; un hijo alcohólico, un hijo con un problema que le hace dormirse en cualquier lugar indeseado, y una hija tiradora de arco que no sabe controlar su presión. Todos ellos con estos monstruos que juntos conforma el gran monstruo The Host.

La niña protagonista de toda la historia. Que fue raptada por un pedófilo encarnado para ella y su familia en ese mismo monstruo.

Y el niño del final; la superación del trauma.

La acción del Estado reflejaría la pasividad de la misma.

Con estos puntos trazados ya podemos defender ante los incrédulos de este género la película. Que si tiene elementos para resaltar como es la profunda historia paralela al monstruo que mantiene cierto equilibrio y tensión argumental.

El juego de las cámaras para realzar la tensión. El objetivo mida al personaje desde un ángulo esperando que el monstruo se desplace hasta ese punto. Los efectos especiales y la ubicación de la trama en un lugar tan determinado como el río Han con su oscuro alcantarillado donde desemboca toda la putrefacción de la ciudad y por donde todas las personas se pasean sin molestarse por le tremendo olor que desprende el lugar.

Todo esto es un juego que muchos se lo podrán tomar como doctrina de fe. Por que estamos viviendo en un Mundo donde cualquier cosa encierra un lado oscuro donde populan conspiraciones y demás familias.

LAS PUERTAS DEL CIELO

Nadie puede comprender el sufrimiento o la felicidad del prójimo hasta que él no la siente en sus propias carnes. “Te comprendo” solo es un mero formalismo para intentar consolar a la victima.

A veces es posible simular un hecho que nos haga comprender el sentimiento del otro. Un simple acercamiento sin lograr entrar en toda la dimensión del problema. Sentirlo en toda su amplitud está en la capacidad de implicarse.

Así que uno se puede ir a Etiopía sumergirse en la extrema pobreza pero con la seguridad que dentro de unos días volverá a su cómodo hogar.

El arte ha sido un vehículo para acercarnos a estos sentimientos. Podemos emocionarnos viendo el Guernica, llorar con El Pianista, o temblar con Primo Levi.

O sufrir un poco con “Las puertas del cielo”

Las Puertas del cielo es teatro de la experimentación.

Un contenedor de mercancía es el lugar donde discurre toda la historia. Donde el espectador se situará para participar. Será empujado, introducido de forma brusca por las manos de la mafia.

Un contenedor; medio que utilizan muchos emigrantes para llegar al ansiado destino. Una travesía larga y oscura que en muchos casos puede ser mortal.

El contenedor se oscurece únicamente se escucha la respiración, el miedo y deseo del polizones.

Un hombre nos habla en un idioma que no conocemos; de las maravillas del nuevo mundo a descubrir. Unas palabras infructuosas que no calman la inquietud. Las mismas que recibe el emigrante cuando una manta extendida por la voluntaria y sus palabras no ofrecen más que desconcierto.

En la travesía muchos padecen, sus sueños se ahogan en el denso mar. Para unos este cadáver será únicamente un número en cambio para los suyos la esperanza de mejorar en lo peor.

Sólo unos elegidos alcanzarán; tierra. Una tierra que nos los recibe con las manos abiertas, más bien con temor. Donde unos se integraran y otros reaccionaran contra tal injusticia.

Durante toda la obra se palpa, la angustia: ¿seremos descubiertos? Cada ruido amplificará esta sensación, ¿sobreviviremos? La insistencia de los cuerpos por saciar sus necesidades básicas será imposible de controlar.

El espectador experimenta tal impacto, que su percepción de este “problema” cambiará.

Un acierto es la utilización de las luces y la oscuridad. La oscuridad como angustia; y la luz que no tranquiliza; pues enseña la tragedia. El emigrante que se ahoga o el que decide tomarse su injusticia, por su cuenta.

Actores implicados más que interpretándola sintiendo la obra como una tragedia personal.

Una tragedia donde todos participamos de forma indirecta y donde no podemos ser indiferentes. En nuestras preguntas pueden ser respuestas a este problema.

La obra ha sido representada en el VI Festival Alternativo de Teatro y danza de Vigo

LADO OSCURO

Uno de los deportes mas practicados y universales es le acto del fisgoneo. Las revistas más leídas y los programas más vistos son los de crónica social. Y esto es igual en España que en la USA.

Cada uno de nosotros tiene un lado oscuro un deseo inconfesable. Por los que muchos pagarían por conocerlos.

En el 2001 entró en la carrera de los Oscar una película pequeña de un principiante director antes metido a actor; Todd Field. La película era In the bedroom. A pesar de las cinco nominaciones la película se fue de vacío.

Field después de haber dirigido algún que otro capítulo de series de televisión, igual que su coetáneo Allan Ball, se lanzó al largo con un resultado notable.

En lujoso barrio de una pequeña ciudad de USA vive Shara Pierce con su hija y su marido, un compulsivo onanista. Un día aparece un nuevo vecino con el que Shara mantendrá una estrecha amistad.

Pero la tranquilidad del barrio se rompe cuando es puesto en libertad un presunto exhibicionista.

El barrio esta plagado de unos personajes que bien podrían trasladarse aun ámbito mayor. Una ciudad incluso un país.

El exhibicionista con una personalidad anulada por la fuerza ejercida por su poderosa madre. Una madre que busca en los contactos de los periódicos una mujer para su niño. Sin lugar a dudas es este el personaje más redondo de toda la película.

Al universo se le une un calzonazos, sin trabajo ni beneficio que encuentra en una infidelidad un riesgo necesario para salir de su agobiante vida.

Y por último un neofacha que encierra un oscuro pasado.

La película se impregna de un sutil humor negro que ridiculiza el verdadero drama. Cosa que ya se pude observar en la otra obra del guionista; “Election”

Pero peca a la hora de utilizar una inútil voz en off.

Esta película viene a seguir el camino emprendido `por la superlativa American Beauty.

Sin lugar a dudas esta obra constituye un nuevo eslabón de crítica a esta nuestra sociedad tan superficial.