STAR TREK

A algunos la serie Star Trek nos queda muy lejos, somos más de V que de las aventuras de Spok, pero eso no impide que nos acerquemos al cine a ver la última película del productor de la gran serie Lost, JJ Abrams, una de las mayores logros de la televisión actual.
Abrams ya había probado suerte en el cine con Misión Imposible III con un resultado más que notable, y otras pequeñas incursiones como productor “Cloverfield”.

La película podría haber sido un fiasco lleno, de diálogos esteriotipados, clichés y personajes mimitezados, pero Abrams ha dado un paso más allá y ha hecho una película que traspasa el cine palomitedo y se lanza a una nueva oleada de cineastas que han descubierto que dentro del gran cine se puede hacer productos consistentes y con un gran peso artístico, sin caer en el convencionalismo.

Parte de las virtudes de Star Trek vienen del planteamiento filosófico que nos expone, el conocimiento de un futuro y la actitud que tendremos desde el presente hasta él. ¿Qué pasaría si un día nos dice lo que llegaremos a ser dentro de unos años? Nos acomodaríamos esperándolo o intentaríamos recorrer el camino tal como está escrito en nosotros.

Como toda nueva película de esta generación de cineastas, la imagen es un factor primordial elemento que contiene y añade tensión las secuencias de la batalla los viajes espacio temporal, el sonido, percepciones eso si que sólo podrán disfrutarse en pantalla grande. Estos recursos no son meros objetos decorativos son elementos de un conglomerado de factores que hacen una película redonda.

Lo grande de esta clases de películas es las reacciones que tiene en el público, Batman Cloverfield, Maria Antonieta, escandalizan a los que todo lo intelectualizan y gusta aquellos que adaptándose a los tiempos sabe que el cine es una evolución y que todo hay que mirarlo con distintos ojos y amoldarse a las nuevas corrientes.

SLUMDOG MILLIONARIE

Algunas voces dicen que el cine está en crisis; estás hablan de la existencia de una corriente dedicada al plagio sin ningún rubor pero, esta afirmación; ¿es correcta? o responde más a una estrechez de miras? uno se inclinaría por lo último y así se entiende la fascinación por productos supuestamente novedosos pero que en realidad son propios de principiante. Danny Boyle es un director crecido en un supuesto cine indie-comercial, su mayor contribución ha sido Trainspotting y desde ahí sólo se ha dedicado a plagiar y hacer productos para el consumo populista.

Slumdog millonrie no supone ningún punto de inflexión en su creación es una continuidad de un cine pretencioso y aburrido. La película comienza con una persecución por las calles de Mombay de dos niños, la escena es acompañada con grandes artificios visuales y música estridente y cansina. Desde ese momento la película se convierte en una continua búsqueda de la complicidad con el espectador mediante situaciones facilonas en busca de la sonrisa y la lagrima del espectador; el niño que con el propósito de conseguir un autógrafo de su ídolo, se tira a una fosa llena de mierda (el protagonista de Trainspotting nadaba dentro de un váter), el explotador de niños, la historia de superación y toda una concatenación de sucesos metidos a golpe para hacer funcionar un guión del peor cine comercial. Este deseo de agradar al espectador y de la rapidez de su filmación conlleva una falta de profundidad en los personajes que se convierten en meros modelos indios sin capacidad alguna para transmitir cualquier emoción, únicamente la coreografía del final.

Pero esta forma de rodar no es nueva hace pocos años Fernando Mirello realizó una ambiciosa y fallida recreación de la vida en las favelas de Rio de Janeiro todo aderezado con una estética de videoclip y pretendida realidad, pero existe una ligera diferencia entre el producto de Mirelles y el de Boyle uno es nativo de ese lugar y el otro rueda en lugar desconocido y en una cultura totalmente desconocida, de ahí que la película se dedique a plasmar los clichés del cine de Bollywood y sólo consiga un retrato kitsch de una realidad bastante dura.

Es curioso que este producto tenga éxito y que las distribuidoras no comiencen a comercializar con películas de la meca del cine indio, material tiene suficiente pues es el país es el que mayor número de filmes produce al año, eso si la calidad es muy cuestionable.

Merece una mención especial su soundtrack de A.R. Rahman compositor de partituras bastante respetables como las que hizo para otra película "india" “Agua” otra producto fruto de la globalización.

Es sumamente preocupante que esta película este recibiendo premios por el ancho mundo y deje fuera a filmes más respetables como es el caso de Revolution Road.
Puntuación. 3

REVOLUTIONARY ROAD

Sam Mendes vuelve a los suburbios que le dio el reconocimiento mundial con la para muchos sobrevalorada American Beauty, en aquella película Mendes se cebaba con el sueño americano y la increíble mentira en la que se sustenta. Partía de un texto de uno de los mejores guionistas actuales Allan Ball. En su última película Mendes sitúa la historia en la Connectica de los años cincuenta donde empezaba a recuperarse una clase media después de las penurias de los años anteriores. 
April Wheeler (Kate Winslet) y Frank Wheeler (Leonardo DICaprio) es una joven pareja de clase media que vive en el barrio Revolutionary Road. Parece la típica pareja perfecta guapos con dos niños una gran casa, pero la insatisfacción rodea sus vidas. April es una frustrada actriz que en su intento de levantar cabeza cae como protagonista en una mala obra propia de principiantes y que representa en un instituto de mala muerte, por su parte Frank es un alineado que como oveja que sigue al rebaño es empleado de la misma empresa en la que su padre trabajó. Los dos llevan una existencia aburrida que intenta suavizarla con una gran mentira de clase acomodada. En un acto de desesperación y viendo que aquello se está muriendo, su relación comienza a tambalearse, Frank le es infiel a su pareja con una modosita y tonta secretaria, April toma la iniciativa y le ofrece una nueva oportunidad cambiar de aires irse a París, lugar qué visitó Frank tras la contienda IIGM, para rehacer su vida e intentar conocer lo que el deseaba. Es una muestra de generosidad por parte de April que ya frustrada actriz sacrifica su sueño para que su marido encuentre lo que realmente quiere ser. Todo ello forma parte del regalo de cumpleaños de Frank, increíble escena la del cumpleaños, Frank llega a casa después de haber engañado a April y se encuentra con una fiesta sorpresa de cumpleaños, doloroso e incomodo, interpreta el papel de marido feliz. 


La historia de Frank y April comienza en una fiesta en su primer contacto Frank se presenta como un aburrido estibador y la otra estudiando para alcanzar su sueño llegar a ser actriz, desde ese momento sabemos que Leo es un conformista que aún que admite que su trabajo no aporta nada; “no soy gran cosa” si le habla a April sus falsas ansias de cambio,. Todo ello mostrado a través de cuidados flashback.  
Ellos no son una pareja particular, vemos en el filme sus gustos exquisitos, sabemos que ellos fueron los que llevaron a la pareja vecina a un local de jazz. Parecen equilibrados y en esa actitud su vecina le pide que conozcan a su hijo recién salido del siquiátrico. Personaje clave de la historia pues es el único que aprecia el aburrimiento de la joven pareja. Según se da a entender John Givings (Mychael Shannon) fue un prometedor matemático, cuyas ansias de cambiar su aburrida vida por un sueño incomprendido por los demás, sobre todo por una madre posesiva, le llevó al manicomio. En el último encuentro entre la joven pareja y John saltan chispas cuando éste descubre que al fin la marcha a París no se consume. John le echa en cara sobre todo a Frank su cobardía al no afrontar ese reto de arriesgar por un posible futuro 
 Para complicar más la historia April queda embarazada por miedo a que esta nueva situación suponga un impedimento para marchar le ofrece a Frank las dos posibilidades; tenerlo o abortar. En el juego de la incertidumbre Frank no dice nada sólo utilizará esta nueva situación más adelante para cuestionar la cordura de su mujer. Otro nuevo obstáculo y otra justificación es el acceso que le proponen a Frank. La inmadurez que desprende el personaje de Frank se hace más visible con la nueva condición, él no ofrece ningún entusiasmo por el nuevo trabajo, sólo en la escena final le cuenta a April en que consiste su trabajo. Pero sin lugar a duda la gran presión ejercida por el entorno que contemplan la idea de marchar como una ridiculez e infantilismo y la poca madurez de Frank dificultan una salida a la crisis. Al espectador al acabar el filme se le plantea dos preguntas; ¿es la decisión que toma April un acto deseado o un acto de rebeldía?, ¿constituye su consecuencia una moralina?
La película esta plagada de grandes diálogos, el filme constituye un lucimiento de los actores, la ambientación recuerda a películas recientes ambientadas en esa época y que muestra que tras la expresa felicidad existía un infierno “Lejos del cielo” es un claro ejemplo. Los planos donde los personajes aparecen los grandes encuadres de April con sus elegantes vestido que la muestra abierta, alegre y fuerte. La música de Thomas Newman que acompaña todo el filme logra creer ese ambiente claustrofóbico.
Señalar la pena que esta película se haya vendido por parte de las distribuidoras como una comedia romántica. 
Puntuación. 8

EL INTERCAMBIO

Los grandes de la industria del cine, creen que son inmunes a cualquier crítica cualquier cosa que hago Oliveira o Rivette será una obra maestra. Pero nadie es perfecto y muchos de los maestros del cine son proclives a meter la pata. Clint es uno de esos monstruos que a pesar de los años sigue en pleno apogeo dos películas en un año El Intercambio y El Gran Torino, la primera de ella estrenada ya en España. El intercambio no es la película redonda de Clin no está a la altura ni de Million Dollar Baby ni de la sobrevalorada Mister River. El intercambio es un filme clásico con una cuidada puesta en escena y una historia bastante atractiva, Clin pone el acento en una época años 20, que se asocia en el cine a mafia, ley seca… aquí este desfalco se manifiesta en una corrupción policial que salpica a la policía de los ángeles. Partiendo de estos punto el film podía ser una obra maestra, pero Clint cae en los errores de un principiante Su afán de explicar el más mínimo detalle conduce al tedio del espectador no se puede perdonar a Clint alarga de manera innecesaria las escenas, dando lugar a posibilidad de varios finales, la película se podría haber terminado media hora antes, y ofreciendo al espectador la oportunidad de no suspirar de aburrimiento. Es deseo de ser tan claro conduce a pensar que estamos ante un telefilme de las tres y media.

AUSTRALIA

La filmografía de Baz Luhrman es escasa con cuarenta y seis años tiene cuatro películas en su haber, pero un gran éxito a nivel. Si algo caracteriza a Luhrman es su empeño en querer hacer cine a la vieja usanza, pero con un toque pop, quien sino se atrevería hacer un Shakespeare con los últimos hits del momento, y llevas al Mouline Rouge canciones de Police, o David Bowie. Dos trabajos que no han dejado indiferente a nadie por un lado vapuleado y por otro alabado como el resucitador de géneros que parecían muertos. A Baz Luhrman en su megalomanía no se le ha ocurrido otra cosa que crear una gran película épica. Para ello sin salirse de casa decide grabar el nacimiento de la gran Australia con actores australiano y equipo de las antípodas, eso si es querer la patria. Sitúa la acción en los inicios de la invasión japonesa del país y el conflicto con los aborígenes, un niño aborigen es el que cuenta toda la historia. El relato está muy bien construida una historia de amor entre un joven rudo y una pija aristócrata inglesa, una guerra y un conflicto racial, que más se le puede pedir. Baz sabe combinar bien los elementos y así Australia es un buen producto. Australia es grande en presupuesto y también grande en duración casi tres horas. El fin se ha sabido vender, un tráiler muy bien construido un conflicto con la fox sobre el final, que seguro veremos los finales alternativos en DVD y dos actores del starsystem. Pero Australia tiene un problema cuando uno termina de verla, se pregunta de que año es del 2008 o de la época de “Lo que el viento se llevo” pues este es el pero de Australia es una película como las de antes, Luhrman ha ido por lo seguro sin arriesgar como en sus propuestas anteriores. Se recordada Australia dentro de unos años como una película del 2008 como las de antes.