COMETAS EN EL CIELO

Es Marc Foster un director de cine de autor o un aprendiz mimado por la meca del cine. Si repasamos su carrera nos encontramos ante pequeñas joyas véase Monster`s ball y Finding Neverland y otras bastantes discutibles como Stay o esta última. Monster`s ball fue la carta de presentación de Foster a nivel mundial gracias sobre todo al oscar que Halle Berry consiguió por el papel en esta película.

Muchos creyeron que se iba a volver un director rebelde fuera de los parámetros de la industria. Pero l a siguiente película ya descifró cual era el camino elegido. Un director rebelde y con personalidad propia bajo la protección de una industria. Finding Neverland una película muy british al gusto de la industria eso sin menospreciar su calidad. Resultó se acta para todo el público. Cosecho premios y nominaciones por doquier. Sus siguientes películas Stay un intento por emular un cine misterioso. Más extraño que la ficción y Cometas en el cielo. Un claro ejemplo de este asentamiento del director alemán.

Cometas en el cielo es un filme bonito sin más; que a más de uno le hará soltar una lagrimita. Su aportación no va más allá de ser otro intento fallido de llevar al cine exitosas novelas y construir pretenciosa película.

La película cuenta los avatares de unos afganos en la Afganista antes de la invasión rusa y la posterior dictadura taliban. Un niño que traiciona a su mejor amigo para liberarse del estigma de gallina. Un padre que intenta ser ejemplo a seguir y un país en la ruina moral. El sentimiento de culpa y desgarro emocional que expuso en Monster`s ball da paso aun edulcorado Cometas en el cielo. Forters no ahonda en la culpa que al propio protagonista por tan vil traición sino se dedica a escupir simple reacciones y emociones que cualquier inexperto director pudiera hacer. La culpa y el sentimiento de incomunicación en el mundo oriental y el occidental son meros pasajes. Para el director es más importante lo que rodea la historia que el propio personaje. Un personaje principal poco creíble que no madura con el paso de los años más bien se queda en un infantilismo gracioso y compresivo para el público. En Monster`s ball el personaje encarnado por Halle Berry protagonizaba un cambio que se materializa al final del filme donde se le presentan las dos opciones entre seguir o regresar al camino del dolor. Aquí el personaje sólo se plantea la única y previsible elección. Únicamente justificado por el pecado cometido. Y con un final medio bucólico medio cursi con frase de anuncio de televisión.

Cometas en el cielo representan se unen a toda una sería de películas que intentan mostrarnos un falso mundo cruel. Menos bonito y más duro que lo reflejado.

Dentro de unos meses Forster estrenará la nueva película de James Bond. Esperaremos a ver si acierta aportando algo personal o se pliega antes el padre protector.

AL OTRO LADO

El contraste que hay entre culturas se manifiesta continuamente en conflictos políticos, morales o económicos. Pero este distanciamiento es real o es fruto de una visión sesgada de una realidad. No cabe duda que la globalización ha potenciado nuestras diferencias que nos debían de enriquecer en lugar de dividir.

Al otro lado es fiel reflejo de este distanciamiento y de la incapacidad de salir de su propia cultura. En Contra la Pared ya Faith Akin enfrento la integración de una realidad turca integrada en Alemania y su incapacidad de escapar de estrictos valores.

Al otro lado ahonda más en estas diferencias y en conflicto no resuelto.

La película es un compendio entre Crash Vidas Cruzadas…Tres historia paralelas que en un momento de la película se entrecruzan. Con yuxtaposición del tiempo narrativo en los primeros minutos… La historia de un amor imposible entre una chica kurda repudiada por su país y una alemana asentada.

Un joven profesor de universidad decide escapar de su Alemania cuando su padre comete un acto criminal.

Como en todo este tipo de estructuras; cuenta con un hecho generador de toda la historia y un objeto de unión que si en Crash era el coche en aquí es una pistola que recorrerá toda la película no siempre presente. Pistola que obliga escapar y pistola que obliga a regresar, pistola que mata y pistola que intenta liberar.

Al otro lado no está a la altura de Contra la pared. Pretende ser agradable al público, que cualquiera pueda digerirla pensando que ha ido a ver buen cine de autor.

CUATRO MESES TRES SEMANAS Y DOS DÍAS

En plena polémica nacional por el derecho al aborto. Se estrena 4 meses 6 semanas y dos días.

A finales de la década de los ochenta muchas mujeres rumanas con embarazos no deseados decidieron abortar en la clandestinidad. Como en otros países incluyendo el nuestro hace treinta años, estás mujeres asumían un riesgo tanto físico como social. La posibilidad de ir a la cárcel por este hecho delictivo las amenazaba.

Como en toda prohibición el pueblo creó para burlar tal veda. Y así los salvadores de estas pequeñas tragedias hacían lucrativos negocios, aprovechándose de la desesperación de la víctima.

La película está contada con una suave crueldad. Son los personajes los que guían la cámara, convirtiéndose en su testimonio.

En el transcurso de la primera media hora, se nos presenta el ambiente donde viven las protagonistas. Una escuela mayor donde el cutrerío es palpable; camas metálicas, paredes pintaras a la cal y pequeños ornamentos. En este mismo entorno, cerrado el comercio de bienes prohibidos era una práctica diaria donde se trapichea con cigarrillos, maquillajes incluso la píldora.

Las protagonistas a pesar de vivir en un régimen asfixiante son conscientes de la existencia de otra realidad.

Como en todo régimen existen los privilegiados que se burlan de los verdaderos héroes de la patria. La escena de la cena donde una de la protagonista celebra el cumpleaños de de la madre del novio es muy descriptiva. La burla de su origen la amonestación por fumar delante de sus futuros suegros.

La película se resuelve de forma muy digna, sin caer en los tópicos. Son las dos protagonistas las que pierden la inocencia, una con un aborto otra con una violación. Precio que ha de pagar para que la otra disfrute de su liberación.

Cuatro meses, tres semannas y dos días, pasará a la historia del cine por dos razones; una por representar un hito en la filmografía, y segunda por ser una obra maestra.

EXPIACIÓN

¿Qué tienen en común Doctor Zibago, Lo que el viento se llevo, El Paciente inglés y Expiación? Las cuatro parte de grandes novelas, son grandes producciones cada uno en su época y melodramas con las características del género; amores imposibles en la adversidad, guerra…

Expiación reúne todas estas características pero con la madurez a la hora de enfrentarse aun espectador más experimentado.

La historia es archiconocida; chica de alta alcurnia se enamora de su atractivo jardinero. Jardinero es acusado de violar a una niña: Hermana celosa es la mentirosa acusadora de este delito. La II GM empieza y el presunto violador acepta ir de soldado raso a combatir al ejército alemán en suelo francés.

El filme comienza a una increíble velocidad, al compás de una máquina de escribir donde la niña de amplia imaginación plasma su relato. La escena se acompaña de una nerviosa melodía.

La niña elemento clave es la primera en participar en el juego, (del ver lo que quiere ver) La escena de la fuente es ya un signo de su posicionamiento. Pues varios minutos más tarde aquello que ella creía ver era mucho más casto de lo que su mente calenturienta pensaba.

La película se disuelve en dos canales la historia cierta y la historia creada. Una historia creada como la novela escrita, y es que al final toda impresión será puesta en evidencia.

El filme se mueve entre una fotografía fina que recoge los momentos bucólicos y palaciegos a aquellas gris oscuras que dominan el desastre de la guerra.

El director no escatima sin el beneplácito del autor del libro de la sutiliza en la narración de momentos de gran y contenida emoción; la playa donde yacen los soldados moribundos, las clínicas de lisiados o el esclarecedor e impactante final con una imponente Vanessa Redgrave.

El filme representa todo un acierto y un ejemplo de película efectiva tanto para la crítica como para el público.

DESEO Y PELIGRO

Ang Lee es uno de los directores de cine más importantes de la actualidad. Su filmografía es un compendio de pequeñas joyas; El Banquete de boda La tormenta de hielo o Brokeback Mountain Sentido y sensibilidad, Tigre y dragón.

Un cineasta que ha sabido ejercer de artesano de cine dentro de la protección de Hollywood, sin dejar de gustar al público.

Pero sin lugar a duda uno de sus logros ha sido plasmar con fidelidad retratos de un mundo occidental donde él no proviene; (Tawanes de nacimiento) sin caer en la torpeza ni en los sobrecargados tópicos.

Con Deseo y Peligro Ang Lee vuelve a sus orígenes grabando en el idioma de su niñez. La historia se sitúa en plana IIGM, en la China más accidentalizada. En plena tensión chovinista un grupo de jóvenes y reivindicativos estudiantes deciden cargarse a un chino traidor topo de los invasores japoneses. Para tal menester echan mano de una apetecible matahari que entrará en el círculo de la victima.

El filme rodado íntegramente en localizaciones naturales es un ejercicio de estética y precisión argumental. Una fotografía que viene a seguir los pasos de In the mood for Love, donde cada detalle es de una belleza sublime, así los trajes la casas burguesas con sus dueñas jugando a un típico juego chino…

Deseo y peligro tiene todo las características de un buen cine clásico de espías, una buena trama bien condimentada, la bella mujer el bueno y una historia de amor. Traje gabardina, humo y corbatas al estilo Casablanca. Además de increíbles giros que da la historia; imprevisible para la mayoría de los espectadores que caen en la fácil resolución de la trama.

Pero Deseo y Peligro es sobre todo la historia de una pasión peligrosa. Una pasión que desde el primer momento va creciendo. En uno de los primeros encuentros de la matahari y su victima esta se insinúa con toda la insolencencia mientras intenta convencerlo para que entre en casa. Ese movimiento sensual de llaves mientras dentro los sicarios se preparan para atentar es el principio de este deseo. El clímax de esta pasión culmina en los explícitos encuentros sexuales, tan bien medido que resultan imprescindible para el desarrollo de la película.

El filme una obra maestra en todos los sentidos; una obra de maestro creador, cosa que se vio reconocida con el premio de Venecia a la mejor película y los que vendrán, aunque la censura se ponga por medio.

LA BODA DE TUYA

El cine es una de las mejores herramientas para viajar es gratis y no es necesario coger ningún avión. Así cualquiera puede presumir de haber visitado Nepal, la India o New York o quizás Mongolia. Lugares exoticos donde uno cree que los problemas no existen.

La boda de Tuya es un hermoso cuento con moraleja al final. Tuya es una feroz pastora de la estepa mongola. Vive con un marido tullido y su pequeño hijo.

Como toda fábula existe una heroína en este caso no iba a ser menos y Tuya así sustenta este papel, Mujer todoterreno que ante las inclemencias saca todo la fuerza para vivir y hacer vivir a los que le rodean, También está el payaso o bufón con un gran corazón, el niño que necesita protección el consejero y el falso salvador, todos armónicamente conjugados.

La Boda de Tuya confirma la ola de una filmografía casi inexistente que en los últimos años nos ha dado bonitos cuentos “La historia del camello que llora” o “El perro mongol”

Una demostración de la riqueza de un cine que nos es muy lejano y de la utilidad de los festivales internacionales de cine para dar a conocer estas joyas. (Esta película gano el Oso de Oro en Berlín)

Más allá de esta visión cinematográfica “La Boda de Tuya” logra abrir conciencias y observar el papel fundamental que la mujer sustenta en los países subdesarrollados como elemento de imprescindible de desarrollo.