LA BODA DE TUYA

El cine es una de las mejores herramientas para viajar es gratis y no es necesario coger ningún avión. Así cualquiera puede presumir de haber visitado Nepal, la India o New York o quizás Mongolia. Lugares exoticos donde uno cree que los problemas no existen.

La boda de Tuya es un hermoso cuento con moraleja al final. Tuya es una feroz pastora de la estepa mongola. Vive con un marido tullido y su pequeño hijo.

Como toda fábula existe una heroína en este caso no iba a ser menos y Tuya así sustenta este papel, Mujer todoterreno que ante las inclemencias saca todo la fuerza para vivir y hacer vivir a los que le rodean, También está el payaso o bufón con un gran corazón, el niño que necesita protección el consejero y el falso salvador, todos armónicamente conjugados.

La Boda de Tuya confirma la ola de una filmografía casi inexistente que en los últimos años nos ha dado bonitos cuentos “La historia del camello que llora” o “El perro mongol”

Una demostración de la riqueza de un cine que nos es muy lejano y de la utilidad de los festivales internacionales de cine para dar a conocer estas joyas. (Esta película gano el Oso de Oro en Berlín)

Más allá de esta visión cinematográfica “La Boda de Tuya” logra abrir conciencias y observar el papel fundamental que la mujer sustenta en los países subdesarrollados como elemento de imprescindible de desarrollo.

[REC]

Es muy gratificante presenciar la diversidad de géneros que nuestro cine patrio es capaz de abarcar, drama; thriller, comedia terror y horror.

Estos dos últimos han logrado notables éxitos en los últimos.

De aquellas películas de terror semi-porno de Ricardo Franco a Amenabar o Balagueró. Se han creado festivales Sitges o la Semana de Cine Fantástico de Donosti.

En la última edición del festival de Sitges, una película española logró impresionar a la platea. Era la última producción del catalán Balagueró [REC]. La película se llevó los premios de crítica, actriz y director. A partir de ahí la película fue creciendo y la campaña de promoción se puso en funcionamiento. Pequeños trailer y lo mejor un video donde se veía la reacción de la gente en Sitges mientras la veían. A ello se unió la formidable crítica de “reputados” jejeje periodistas y críticos cinematográficos. Hablaban de una reinvención del género de horror, una madurez…

La historia prometía una reportera sigue la vida de unos bomberos en una noche ordinaria. Hasta que reciben una llamada de emergencia de un inmueble donde los gritos de una vecina despierta a toda la comunidad.

Muchos pensaron que se iban a encontrar con una película con un ambiente claustrofóbico, y cargados de tensión. Pero que decepción cuando la película va avanzando y los tópicos comienzan a emerger. En primer lugar la protagonista una guapo muchacha, con camiseta ajustada y manchada de sangre, una niña enferma y diabólica, unos viejos, y el sarasa; muertos vivientes sangre, vísceras y virus. Esto se podría tolerar pero la utilización del susto fácil y previsible rompe con su pretendida trasgresión. ¿Entonces donde reside sus alabanzas? En la utilización de la cámara amateur con planos temblorosos; el juego de la luz los cortes de la grabación; que le dan cierto realismo. Algo que ya habíamos visto en The Blair Proyect

Es justo reconocer la valía de los actores tanto la protagonista principal Manuela Velasco como los secundarios Jorge Yamam Serrano, Pablo Rosso… entre otros.

Ahora a esperar el ramake americano.

PD: ¿La gente que aparece en el público en el anuncio del film están viendo está película?

Y los que hacen los comentarios en el foro de youtube son reales o infiltrados? Cada uno que saque sus conclusiones.

LEONES POR CORDEROS

La vida puede ser vivida de tres formas distintas; participando en ella activamente, ser espectador no crítico, o el pasotismo conformista.
En Leones por Corderos la última propuesta de Robert Reford así lo sentencia.

Ante el fracaso de la contienda en Irak y Afganistán, la Casa Blanca plantea una nueva estrategia. El senador Irvirn encarnado por Tom Cruise concede una entrevista a la periodista para darle cuenta de las nuevas tácticas. Durante la conversación de más de una hora que mantienen. El Senador intenta convencerla con el propósito de lograr el beneplácito de una buena crítica y el apoyo de la prensa. La conversación cargada de pura demagogia grandes palabras en total ausencia de crítica no conduce a la meta deseada. Pero si despierta en Janine Roth (Meryl Streep) su espíritu crítico.
En California el profesor Robert Reford se entrevista a un alumno díscolo pero prometedor. El maestro intenta convencer al alumno de su capacidad para la crítica la necesidad de reaccionar. Objetivo conseguido.
En Afganistán dos jóvenes soldados luchan por su mejor mundo, jóvenes desposeídos de destino que parten a la batalla para poder cumplir sus deseos. Objetivo fracasado

Leones y Corderos se divide en tres historias paralelas en el tiempo y espacio. Una reputada periodista y un senador. Un joven díscolo y su paternal profesor, y dos soldados. California, Washington y Afganistán. Unidos por el mismo hecho.
Reford a partir de estas tres historias crea un discurso efectivo. Son tres alocuciones aisladas pero con un fin común,
Tanto la alocución del senador y la periodista como el del profesor y el alumno se desarrolla en un único decorado. Espacios que con el paso de la cinta y la madurez de los personajes de la periodista y el alumno se amplían.
El mensaje mantenido en el film no admiten ambigüedad pero si su respuesta. El film termina con una cruel conclusión; ¿o quizás no? Al espectador le tocará juzgar.

La Guerra de Irak uno de los grandes errores de este joven siglo. Ha logrado sacar a flote una sociedad narcotizada. A los hechos tan dramáticos y a las mentiras tan gordas muchos han reaccionado.

Como en toda película antibélica americana, el chovinismo barato aparece sin rubor alguno. Así vemos como los soldados deciden morir de pie ya moribundos para honrar a la Patria. Había que saber si aquellos corderos que envían ejércitos a luchar estarían también dispuestos a morir por el País.

PROMESAS DEL ESTE

Nunca una filmografía representó de forma tan clara la madurez como la de David Cronenberg. Sus últimas películas nada tienen que ver con su primer cine y más cercano a la serie B que aun cine de autor.

El despeje de esta etapa comienza con la realización del Almuerzo desnudo, basada en la novela de Burroughs, la asfixiante Crash, la magnífica Una historia de Violencia y la última “Promesas del Este”

Promesas del este es la historia de la mafia rusa en el Londres actual. Un retrato sobre la complejidad de la diversidad cultural.

Una noche una joven rusa entra en una tienda pidiendo auxilio; después de haber sido sometida aun fracasado aborto. Su vida no se salva pero si la de su hija recién nacida. Sin nombre y sin dirección. Un único diario será la herramienta para encontrarle familiares al bebe.

Un diario que se convertirá en al verdadera llave de la historia.

Como toda película sobre la mafia tanto sea italiana o rusa Promesas del este se recrea en ambientes marginales asfixiantes, con la ostentosidad hortera que envuelve a todo capo, o en este caso jefe del clan. Lugares donde convergen todo hecho delictivo; contrabando de alcohol, prostitución, drogas… Un ambiente en el que todo el mundo desconfía del vecino, ya sea familiar o simplemente conocido.

Y así en “Promesas del Este” se palpa durante toda la película un miedo y una violencia explicita que bien generan una tensión contenida el mayor logro del filme.

Cronenberg recurre en esta narración a sus gusto por las vísceras; rajadas en el cuello de la que brota sangre rabiosa, dedos mutilados, y un erotismo violento de la mano del protagonista.

Tanto en esta película como en las dos últimas el director canadiense rompe con la tradición de usar actores fuera del starsystem. Echando mano aquí de actores ya consagrados Mortensen y Naomi Watts. Ésta última con un personaje muy cercano al que ya protagonizó en 21gramos. Roles en los que explota todo su potencial interpretativo.

UN CORAZÓN INVENCIBLE

El conflicto de Oriente Medio está continuamente ocupando las portadas de los telediarios y periódicos. Ha llegado a hacerse tan cotidiano que todo el mundo da por hecho conocer sus orígenes; pero nada más lejos de la realidad. Nuestro acercamiento se minimiza a lo que las noticias dicen. Si vemos un atentado nos mencionan el número de muertos, la composición del explosivo, los daños muebles… Menciones que lo que buscan habitualmente es el titular atractivo y escandaloso.

Uno de sucesos más repetidos y sufridos en estás zonas tan conflictivas es el rapto de rehenes ya sean periodistas, cooperantes, o miembros de ejércitos de ocupación… A la mente nos viene el secuestro de las cooperantes italianas, de los 18 coreanos y del periodista luego ejecutado Daniel Pearl. El primer secuestro que se produce tras el

11-S.

A partir de este último secuestro el prolífero Michael Winterbottom dirige A Mighty Heart que narra de forma pormenorizada el secuestro y posterior ejecución. Quizá sea un fastidio contar el final pero cualquier que haya seguido el rapto sabrá cual fue su desenlace.

Winterbottom ya se había inmiscuido en el conflicto talibán con la formidable Road to Guantánamo e In This World. Conocedor de este mundo ha dado una nueva pincelada a esta realidad.

A partir del libro de la esposa de Daniel Pearl. Winterbotton escribe un bello filme sobre los vericuetos del rapto del periodista americano.

Muestra una visión íntima pero no sensiblera del secuestro. Logrado gracias a la combinación de un medido thriller y una historia personal certera. No hay grandes bombas ni persecuciones espectaculares, pero si un peregrinaje personal de los protagonistas que resulta agotador. A ello contribuye el papel desempeñado tanto por la protagonista principal, muy correcta y comedida con una formidable secuencia final de desgarro total. Como el resto del elenco.

Otro de los aciertos del filme reside en haber sido capaz de plasmar la visión de los protagonistas reales cuyo ideal es llamar aun entendimiento entre culturas a través de la música y las expresiones artísticas... algo de los que muchos en la actualidad se mofan.

WHISKY ROMEO ZULU

Con tres años de retraso se estrena en España la película argentina Whisky Romeo Zulu.

El realizador E. Piñeyro lleva a la gran pantalla un hecho que conmocionó a toda la población argentina.

En 1999 un avión de la compañía de bajo coste AMPA sufre un accidente que termina con la vida de unas decenas de personas. LA investigación posterior revela una compleja trama.

Las vicisitudes de este suceso guardaban material muy rico. Que cualquier aventajado no lo iba a dejar escapar.

Con tales ingredientes la película ya estaba hecha. Pero como en toda receta una buena condimentación es la base de la distinción.

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La película cuenta con una narración en dos sentidos. Aquella que nos habla de las causas y aquella que nos lleva a la consecuencia. Y así en los primeros minutos del filme vemos el inicio de una declaración. Y el despegue del vuelo siniestrado. Imágenes de un lado y otro se irán yuxtaponiendo para componer esta cinta.

Uno de los aciertos del filme es ahondar en uno de los pecados capitales de esta sociedad. El culto exacerbado a la superficialidad; ya sea material o personal.

Donde el cliente compra lo que le parece atractivo visualmente, olvidándose de lo realmente importante; el contenido.

Ello ha llevado a la estupidez mercantil del cuidado excesivo de la imagen. Bien reflejado en el filme. En aquel enfrentamiento de Mr T con el responsable de la compañía por las ineficiencias de las aeronaves. Teniendo como respuesta de éste la obligación de mantener una buena apariencia y el deber de recortarse la barba.

O aquel momento donde el jefe rechaza leer los informas para no interrumpir la trascendental tarea de escoger un nuevo traje para sus empleados.

Una película notable de nos ser por la prescindible historia de amor.