LEONES POR CORDEROS

La vida puede ser vivida de tres formas distintas; participando en ella activamente, ser espectador no crítico, o el pasotismo conformista.
En Leones por Corderos la última propuesta de Robert Reford así lo sentencia.

Ante el fracaso de la contienda en Irak y Afganistán, la Casa Blanca plantea una nueva estrategia. El senador Irvirn encarnado por Tom Cruise concede una entrevista a la periodista para darle cuenta de las nuevas tácticas. Durante la conversación de más de una hora que mantienen. El Senador intenta convencerla con el propósito de lograr el beneplácito de una buena crítica y el apoyo de la prensa. La conversación cargada de pura demagogia grandes palabras en total ausencia de crítica no conduce a la meta deseada. Pero si despierta en Janine Roth (Meryl Streep) su espíritu crítico.
En California el profesor Robert Reford se entrevista a un alumno díscolo pero prometedor. El maestro intenta convencer al alumno de su capacidad para la crítica la necesidad de reaccionar. Objetivo conseguido.
En Afganistán dos jóvenes soldados luchan por su mejor mundo, jóvenes desposeídos de destino que parten a la batalla para poder cumplir sus deseos. Objetivo fracasado

Leones y Corderos se divide en tres historias paralelas en el tiempo y espacio. Una reputada periodista y un senador. Un joven díscolo y su paternal profesor, y dos soldados. California, Washington y Afganistán. Unidos por el mismo hecho.
Reford a partir de estas tres historias crea un discurso efectivo. Son tres alocuciones aisladas pero con un fin común,
Tanto la alocución del senador y la periodista como el del profesor y el alumno se desarrolla en un único decorado. Espacios que con el paso de la cinta y la madurez de los personajes de la periodista y el alumno se amplían.
El mensaje mantenido en el film no admiten ambigüedad pero si su respuesta. El film termina con una cruel conclusión; ¿o quizás no? Al espectador le tocará juzgar.

La Guerra de Irak uno de los grandes errores de este joven siglo. Ha logrado sacar a flote una sociedad narcotizada. A los hechos tan dramáticos y a las mentiras tan gordas muchos han reaccionado.

Como en toda película antibélica americana, el chovinismo barato aparece sin rubor alguno. Así vemos como los soldados deciden morir de pie ya moribundos para honrar a la Patria. Había que saber si aquellos corderos que envían ejércitos a luchar estarían también dispuestos a morir por el País.

PROMESAS DEL ESTE

Nunca una filmografía representó de forma tan clara la madurez como la de David Cronenberg. Sus últimas películas nada tienen que ver con su primer cine y más cercano a la serie B que aun cine de autor.

El despeje de esta etapa comienza con la realización del Almuerzo desnudo, basada en la novela de Burroughs, la asfixiante Crash, la magnífica Una historia de Violencia y la última “Promesas del Este”

Promesas del este es la historia de la mafia rusa en el Londres actual. Un retrato sobre la complejidad de la diversidad cultural.

Una noche una joven rusa entra en una tienda pidiendo auxilio; después de haber sido sometida aun fracasado aborto. Su vida no se salva pero si la de su hija recién nacida. Sin nombre y sin dirección. Un único diario será la herramienta para encontrarle familiares al bebe.

Un diario que se convertirá en al verdadera llave de la historia.

Como toda película sobre la mafia tanto sea italiana o rusa Promesas del este se recrea en ambientes marginales asfixiantes, con la ostentosidad hortera que envuelve a todo capo, o en este caso jefe del clan. Lugares donde convergen todo hecho delictivo; contrabando de alcohol, prostitución, drogas… Un ambiente en el que todo el mundo desconfía del vecino, ya sea familiar o simplemente conocido.

Y así en “Promesas del Este” se palpa durante toda la película un miedo y una violencia explicita que bien generan una tensión contenida el mayor logro del filme.

Cronenberg recurre en esta narración a sus gusto por las vísceras; rajadas en el cuello de la que brota sangre rabiosa, dedos mutilados, y un erotismo violento de la mano del protagonista.

Tanto en esta película como en las dos últimas el director canadiense rompe con la tradición de usar actores fuera del starsystem. Echando mano aquí de actores ya consagrados Mortensen y Naomi Watts. Ésta última con un personaje muy cercano al que ya protagonizó en 21gramos. Roles en los que explota todo su potencial interpretativo.

UN CORAZÓN INVENCIBLE

El conflicto de Oriente Medio está continuamente ocupando las portadas de los telediarios y periódicos. Ha llegado a hacerse tan cotidiano que todo el mundo da por hecho conocer sus orígenes; pero nada más lejos de la realidad. Nuestro acercamiento se minimiza a lo que las noticias dicen. Si vemos un atentado nos mencionan el número de muertos, la composición del explosivo, los daños muebles… Menciones que lo que buscan habitualmente es el titular atractivo y escandaloso.

Uno de sucesos más repetidos y sufridos en estás zonas tan conflictivas es el rapto de rehenes ya sean periodistas, cooperantes, o miembros de ejércitos de ocupación… A la mente nos viene el secuestro de las cooperantes italianas, de los 18 coreanos y del periodista luego ejecutado Daniel Pearl. El primer secuestro que se produce tras el

11-S.

A partir de este último secuestro el prolífero Michael Winterbottom dirige A Mighty Heart que narra de forma pormenorizada el secuestro y posterior ejecución. Quizá sea un fastidio contar el final pero cualquier que haya seguido el rapto sabrá cual fue su desenlace.

Winterbottom ya se había inmiscuido en el conflicto talibán con la formidable Road to Guantánamo e In This World. Conocedor de este mundo ha dado una nueva pincelada a esta realidad.

A partir del libro de la esposa de Daniel Pearl. Winterbotton escribe un bello filme sobre los vericuetos del rapto del periodista americano.

Muestra una visión íntima pero no sensiblera del secuestro. Logrado gracias a la combinación de un medido thriller y una historia personal certera. No hay grandes bombas ni persecuciones espectaculares, pero si un peregrinaje personal de los protagonistas que resulta agotador. A ello contribuye el papel desempeñado tanto por la protagonista principal, muy correcta y comedida con una formidable secuencia final de desgarro total. Como el resto del elenco.

Otro de los aciertos del filme reside en haber sido capaz de plasmar la visión de los protagonistas reales cuyo ideal es llamar aun entendimiento entre culturas a través de la música y las expresiones artísticas... algo de los que muchos en la actualidad se mofan.

WHISKY ROMEO ZULU

Con tres años de retraso se estrena en España la película argentina Whisky Romeo Zulu.

El realizador E. Piñeyro lleva a la gran pantalla un hecho que conmocionó a toda la población argentina.

En 1999 un avión de la compañía de bajo coste AMPA sufre un accidente que termina con la vida de unas decenas de personas. LA investigación posterior revela una compleja trama.

Las vicisitudes de este suceso guardaban material muy rico. Que cualquier aventajado no lo iba a dejar escapar.

Con tales ingredientes la película ya estaba hecha. Pero como en toda receta una buena condimentación es la base de la distinción.

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La película cuenta con una narración en dos sentidos. Aquella que nos habla de las causas y aquella que nos lleva a la consecuencia. Y así en los primeros minutos del filme vemos el inicio de una declaración. Y el despegue del vuelo siniestrado. Imágenes de un lado y otro se irán yuxtaponiendo para componer esta cinta.

Uno de los aciertos del filme es ahondar en uno de los pecados capitales de esta sociedad. El culto exacerbado a la superficialidad; ya sea material o personal.

Donde el cliente compra lo que le parece atractivo visualmente, olvidándose de lo realmente importante; el contenido.

Ello ha llevado a la estupidez mercantil del cuidado excesivo de la imagen. Bien reflejado en el filme. En aquel enfrentamiento de Mr T con el responsable de la compañía por las ineficiencias de las aeronaves. Teniendo como respuesta de éste la obligación de mantener una buena apariencia y el deber de recortarse la barba.

O aquel momento donde el jefe rechaza leer los informas para no interrumpir la trascendental tarea de escoger un nuevo traje para sus empleados.

Una película notable de nos ser por la prescindible historia de amor.

PAHA MAA

Para muchos el cine de otras latitudes. Aquel que no viene de la Europa vieja o del Imperio Americano. Es sinónimo de tostón típico de un intelectual riguroso. Un cine de proyección en festivales que si gusta Existe la oportunidad de que llegue al gran público.

Entre este se encuentra el cine nórdico. Con importantes representantes: Kaurismaki (Finlandia) Bergman (Suecia) Las Von Trier, Thomas Vinterberg (Dinamarca). Y clásicos como Mauritz Stiller, Dreyer o Victor Sjöström.

Desde hace tiempo, en el panorama internacional. Han emergido nuevos talentos, de estas latitudes, Cristoffer Boe. Con una pequeña joya, Reconstruction y Aku Louhimies que se dio a conocer con Paha Maa.

Cineastas nacidos en los convulsos años 60y 70 del siglo XX. Realizadores que han mamado tanto el cine clásico como la cinematografía contemporanea. Son hijos aventajados de Kubrick, Spielberg. Defensores de un nuevo lenguaje y que no tiemblan a la hora de “homenajear” a sus ídolos.

Ejemplo de ello es el film Paha Maa de Louhimies.

Paha Maa son varias historias cruzadas en un lugar concreto. Historias no lineales . Con una estructura que recuerda a títulos ya míticos como Vidas Cruzadas, Magnolia o los recientes 21 gramos y la mediocre Crash. Que habrá de ir tejiendose poco a poco. Dividida en cuatro episodio interdependientes. Beber, El Hacha, Familia y Policía. Algún malpensado que vea la película podrá acusarla de ser un plagio de 21gramos pero nada más lejos. . Y no se ha de esperar al último fotograma para comprender el conjunto.

Y todo ello en un ambiente nevado (Tierra nevada quiere decir Paha Maa). Con personajes perdidos un joven que sufre los avatares de su padre cuando éste es despedido. Un vendedor frustrado de champú. Un viejo parado. Unos jóvenes que pretenden dar un golpe maestro. Y una policía atormentada. Cuyos vínculos son un billete de 500€, una persecución, un homicidio o una botella de ginebra.

Si hay que ponerle nota estaría entre un 7 o 7`5. O tal vez un 8. Cada uno que decida.

DAYS OF GLORY

Repasar la historia nos puede ayudar a saber que motivos lo propició. Francia sufre un grabe conflicto racial. Un conflicto donde los porques tienen una fácil respuesta. Haber dado la espalda a todos aquellos que han ayudado a hacer de un país lo que es hoy.

En la IIGM el ejército francés reclutó millares de hombres de sus colonias. Para luchar contra el Nazismo y liberar Francia.
A la llamada muchos indígenas respondieron.
Pero pobres ellos; la libertad que intentaron venderles no la lograron..
Y fueron ignorados, burlados e insultados. Su esfuerzo cayó en saco roto.
Un olvido que duro hasta nuestros días.

Se puede reparar ese daño?

Esta historia puede oler: pero hay que contarla cuantas veces sea necesario para no cometer los mismos errores.

Days Of Glory, es una película sencilla, pero con una desnuda intensidad. Que sólo se logra cuando se habla de una historia verdadera. Y aunque de la impresión de película bélica nos encontramos ante un drama humano que traspasa cualquier género.

Un film tan potente que ha hecho que el propio presidente de Francia Chirac reconsiderase la política de pensiones para los excombatientes.

Poco más se puede decir de este gran film. Que cuenta con unos de los finales más conmovedores visto en los últimos tiempos.

Una película obligatoria para todos aquellos que reniegan de la existencia del otro.